国宝《曜変天目》を1時間見る【静嘉堂文庫美術館/大徳寺展】

常設展の名品を1時間見るシリーズ、第9回は、

静嘉堂文庫美術館所蔵
《 曜変天目（稲葉天目）》
南宋時代（12～13世紀）

です。

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名品1時間シリーズ9回目にして、初の国宝、初の陶芸作品。常設展といいつつも、ついに私立美術館、それも１回期の展覧会内での作品となってしまったけれど、まあ東京では年に１、２回見る機会がある準常設作品とも言えるでしょう。そしてなんと言っても！現在東京国立博物館で開催中の大徳寺展に塔頭・龍光院にある曜変天目も展示中ということで、現存する国宝３つのうち二つが東京５キロ圏内で見れてしまうという事実！これはこの機会を逃すわけにはいかない、開催中の「民藝SHOCK没後60年 静嘉堂の河井寬次郎」の途中だが、1時間の枠も揺らぎつつ番外編ということでじっくり曜変天目茶碗の宇宙に1時間触れていこう。

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※曜変天目はどちらも撮影不可

14:50から 15:10 の《曜変天目》

様々な展覧会や書籍において宇宙という言葉がキャッチコピーとして使われることがあるが、あらゆる芸術作品にその言葉を付随させることを禁じた上で、この《曜変天目》だけは宇宙という言葉を使っても良いことにしたらどうだろう。だって宇宙をそのまま作り出してしまっているんだもの。腕の意外な小ささから意味は違うものの文字通り「小宇宙」と言いたくなってしまう。見るのは人生で２回目であり、陶芸について多くの知識があるわけではないのだが、色々なものを触れて若干の間書いてきたからなのだろうか、見始めの段階で以前よりも茶碗の世界にうまく入り込めている、というかやり込められて凡庸なところに落ち着かせられてしまっていると言った方が正しい。

もちろん、展覧会が河井寛次郎を中心としたものなので他の民藝作品を見てきたということも大きい。民藝が端的に用の美を追求したものであるのに対して、曜変天目のみが外界と器との世界、視界から大気まで全てを切り離している。美の性格に上下をつけるものではないが、1時間見る行為を幾度となく繰り返していれば、名品たるもの、鑑賞者を日常の認識から切り離し、孤独の淵に引き込んでそれ以降暗闇にすること、その精度と速度によるという基準を見出すようになってきた。曜変天目の場合その精度は内側の奇跡によってもたらされるが、速度の面では釉薬の黒色の功績が大きい。

展示台は、曜変の煌めきが見え隠れするほどの絶妙な高さに設けられている。よく見る画像のように真上から覗き込んで全ての模様を捉えてみたい。久しぶりに自分の低い背丈を恨んだところだが、いつまでも視界が安定せずにフラフラと回り込むことは、完全と不完全のあわいにある宇宙の陶器の醍醐味とも言える。陶器の価値は、実際に両手で手に取り、その重さや肌触り、重心、手への収まりを確かめてこそ理解できるものだと聞く。しかし、この作品に限っては、むしろ自らの手に取ることをためらってしまう。触れることで何かを確かめるというよりも、触れること自体が、目の前に成立している不可思議な世界を損なうように思えるからだ。そもそも、手で触れるという行為によって実体として把握できるのだろうかというまでの次元の隔たりすら感じる。

岩崎家の小弥太は「天下の名器を私如きが使うべきでない」と言ったらしいが、それは分かる、名器としてでなくともこの腕でお茶は飲みたくない。おおよその場合美と食は親密な関係にあるが、この腕で茶を点てても濃い塩素の匂いかソーダみたいな味がするのではないか。少なくとも茶の深みを引き立てる様はし難いが、その味覚と視覚の奇妙な乖離がこの作品の特異な一因でもあるのだ。そもそも、器のくせして紋様が見込みへの重力に従わず、浮き沈みする様な運動を見せるのは、どういうことだと思いつつも、従ってまた同様に大きな魅力であると言わなくてはいけない。星であるということは隕石にもなり得るということで、宇宙にどこまでも忠実なのだ。

次元の隔たりというのは、その宇宙の誠実さからきていることは間違いない。以前東博の《遮光器土偶》を見たとき、呪力を発するほどの美しさを持つものは大きさをどれだけ大きくしても損なわれない、巨大化した作品の前に立つ自分を想像でき、その実現が《太陽の塔》であるということを考えた。しかし今回は全く逆、いや逆ではないが今度は自分自身がミクロサイズになって腕の世界に潜り込むことができてしまうのではないかということを思わされてしまうほどの惹きつける力、磁力が発されており、縄文の呪力を反転したようだ。宇宙というイメージと器の底に沈む形からは相対性理論が導き出され、そこから生まれるのはブラックホールである。斑紋が集まる器の縁は、事象の地平面としての機能をしっかりと果たしている。

低い身長のために完全に上から覗くことはできないが、茶溜まりの丸い部分は斑紋が避けられて完全な闇となっているところにもブラックホールらしさがある。そう思って内側に目を落とし続けていれば、見下げているはずの星の数々はこっちに向かって落ちてくるような錯覚を覚える。夜の星を見上げてみれば、やはり先人に倣って星座を見つけたくなるものであり、経年劣化によるちょっとした傷の跡が若干星座線に見えないこともない。連続した斑紋は重力の影響を受け流すようにアーチ状に流れているものが見られるので、神々が持つ弓か、それか大地を駆け巡る動物の脚などに重ねられそうだ。

斑紋の形は見ているうちに変わることはないはずだが、自分自身の位置と視線によって輝き方が変わり、器すらも歪んで見えてくることには、重力レンズ効果が発生しているのだろうか、この光にどれほど飲み込まれるかどうかで鑑賞時間も個人差が出そうである。斑紋とそれが浮かぶ宙の部分は不可分であり、同時に器と直方体のガラスケース内の光のあわいも無数のゆらぎが存在している。外光に晒すと虹色の光が見やすいというが、現在の展示の仕方だろうか、暗闇の中に照らされると一層宇宙に瞬く星のような静謐さを纏っている。ギンギラギンにさりげなく、というのはこのことだろうか。

15:10から 15:30 の《曜変天目》

曜変天目による輝きは宇宙そのもの、つまり自然科学に準ずるルネサンス的な美ということになるが、輝きの儚さからは詩的な世界すらも感じることができるところも魅力だ。今展覧会のテーマである民藝、また光のイメージで言えば、光原社という連想ゲームの末に宮沢賢治の世界である。「銀河鉄道の夜」はもちろんだが、宇宙を舞台にしながらも小さな劇場の中を星座や箒星たちが踊るようなが様は初期の「双子の星」を挙げたい。遠山繁年版の絵本を小さい頃に読んだが、その時子供ながらに感じた星の世界の下に広がる海の底の真っ暗な恐怖というのが、器を見ても同じことが感じられる。

宇宙であり、同時に海である。空と底の自由と恐怖は漆黒の中から浮き沈みする青藍から導き出されるものだが、人類の領域を挟む未知が一緒くたになっているところに次元の歪みを感じるのだ。ここでやっと出てきた海というイメージ、「双子の星」内ではチュンセ童子ポウセ童子は空の銀の芝原を歩くために白い貝殻の沓を履いている。確かに白い輝きといえば貝殻であり、曜変はその歪さからも貝殻が散らばったよう、輝きの面でも螺鈿細工にとても近いものである。しかし、収納箱や天目台に螺鈿細工が施されるところを見るに、さらに位の高い輝きということなのだろうか。

去年開催されていたポケモン×伝統工芸展にて、池田晃将が《せきひのかけら》という作品で古代文字のようなフォルムをしたアンノーンというポケモンを螺鈿であしらった六角柱の茶器を出品しており、そのオカルティックな輝きを思い出すに、螺鈿、そしてこの曜変天目に科学的な超古代文明の面影を見出すことも不可能ではない。実際、現在のような展示状況で藍の輝きが器の壁に沿って縦縞のように入るところを見ると、半導体やネットワークの網の目といったイメージが想起される。しかし、前述の茶器や螺鈿細工の輝きに加えて、この天目茶碗が持つのはブラックホールの暗闇、死のイメージである。

そうなると海岸に打ち上げられる貝殻より水底に消えゆく泡に近い。ちょうど浮き沈むような絶妙な重力と石灰岩のように黒みがかった軽さを持ちながらも煌めく泡の存在であり、「クラムボンは死んだよ」という不可思議な声が聞こえてくる。クラムボンの生き死にを思うと、この斑紋はプランクトンなどの生態を顕微鏡で覗いたことを思い出させ、細胞の壊死といったイメージもできる。しかし、クラムボンとは何なのかということで、他にも二枚貝や光という様々な説があるが、曜変天目の輝きを見ているとそんなことはどうでもいいやとなるのも事実である。むしろカニの親子や小さな動植物しかとらえることのできない何かをこの作品はかろうじて我々の目に届けてくれているのではないか。

触った途端に灰となって消えてしまうような儚さがあるものの、触れるとするならばその斑紋をガリガリいじってみたい。どういった感触なのだろうか。クラムボンの音というとぽぽぽぽぽという破裂音かふわふわとした響きをイメージしてしまうが、泡という既存のイメージを回収するにはあまりにも捉え所がなく、実際のところ表現しろと言われたらそれ以上難しいことはないだろう。たとえば細胞分裂の瞬間、インクがまっさらな紙に滲んでいく時の音は白黒で構成された無音なんてシーンが頭に浮かぶが、そのように音が生まれる前の世界に落ち着いてしまうといったところである。やはり宇宙と深海という未知の領域には日常の運動で測れる尺度ではないということだ。

しかしどうしてもこの器に合う曲を考えたい。正直用の美というイメージではNHKの美の壷あたりからジャズのイメージで先導されてしまっているが、本当にジャズだろうか。おそらく人の手の跡、ろくろの運動や重力を感じられる器であれば、アドリブの音楽であるジャズが候補に上がるだろうが、曜変天目に限っては重力も全ての方向にかかっているような人智を超えた世界である。先ほど感じた生と死が混濁する世界観でいったら、斑紋は「君たちはどう生きるか」のワラワラ（小さくて白いやつ）や「もののけ姫」のこだまなども想起されるのでジブリ、久石譲や坂本龍一の世界観は良いのだろうか。しかし、穏やかな気分よりももっと不気味と不思議、宮沢賢治のような宙をかき混ぜているようなパワーが欲しい。

宇宙と深海という圧倒的な力が焼かれて、つまり炎の中から生まれ出でたということのロマンを考えてもとてつもないスケールの音像を欲してるかもしれない。無音の世界に放り出された体を救ってほしいという気持ちなのかもしれない。「2001年宇宙の旅」ではクラシック曲『美しき青きドナウ』など採用されているが、眼前にあるのはそれこそあの映画に描かれるような標本化された美ではなく、溢れるような氾濫とそれを超える制御、両者が永遠に繰り返される世界である。ジェルジ・リゲティのミステリアスな音響はそれはそれで良いが、さらなる輝き、他の陶器にはない食欲を削ぐと言っても良い美しさを考えると、、、選んだのは earth wind and fire アース・ウィンド・アンド・ファイヤーの「Fantasy 宇宙のファンタジー」である。うるさすぎ？ずっと見ていればこのくらいはっちゃけたい気持ちになる。このファンタジーのまま大徳寺展に向かう。

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15:30 から の《曜変天目》
（＋大徳寺展にて）と1時間のその後

ファンタジーを何とか継続して大徳寺展に向かうと、びっくり、こんなに並ぶのかー。フェルメールやフェロニロールほどではないとはいえ、特別室への列ができている。龍光院天目がなかなか見れない、さらに東京出張とはいえ、1番の輝きを持っていると言われる稲葉天目があそこまでゆったりと見られたと思うと、おかしな話だ。しかも間近で見られるのが30秒にも満たないくらいだろう。藤田美術館所蔵の天目は輝きを放っているが、この茶碗はなかなか輝きがいぶし銀、さりげなさすぎる光なのだ。曜変天目が光の揺らぎの中にあるのに対して、こちらは完全に光を吸収するような仕組みであるが、しかしブラックホールらしいのは前者である。こちらは例えるなら硯の上に穏やかな光であり、それをこの長蛇の列の中一瞬で捉えるのは無理な話だ。

素人目からしたら一瞬油滴天目に見えてしまうくらいの控えめな器だ。曜変天目らしい無重力さは健在とはいえ、稲葉天目の次元を打ち破り視覚に訴えかけてくる存在感の煩悶に比べれば、悪く言えばシミ程度とも言える無害な円形にとどまっているように思える。しかし、それでいて過剰ではないゆったりとしたリズムは感じられるので、あちらのファンタジーに対してこちらこそジャズが合うのではないだろうか。適しているのはメロディーを纏うことのできる打楽器としてピアノがいい、依然としてぽぽぽぽぽ、、、というクラムボン的響きは感じたいのでアーティストを上げるとするならば高速でありつつ、粒立ちの良いアート・テイタム、オスカー・ピーターソンあたりだろうか。

白銀の斑紋、これも自然光に晒せばさらに虹色に輝くのだろうか。あまりにも見れる時間が短いのでなかなかそれを想像するのも難しかった。さらにその色から地の漆黒も稲葉天目ほど奈落を感じるほどのものではない。圧倒的な自然美というより、走る筆とそうして生まれる不規則な滲みを見ているような、つまりは禅の書である。大徳寺に、そしてこの展覧会にある天目としてはこれ以上ふさわしい器もなく、禅の心としてやはりジャズを頭の中で鳴らしたくなるということだ。稲葉天目が宇宙の未知なる巨大美であるのに対して、こちら地球の自然、慎ましやかな輝き、その認識のせいかサイズとしてもこちらがいくらか小さく見える。

斑紋のつき方としても、稲葉天目は星座のように連なるものが目立っていたのに対し、こちらは、大きな一つの個体に小さいものが4〜5つほどついている熊の手のようにかわいらしい団体が目に入る。その部分もこの天目が見せる落ち着きであるが、決して静寂ではない。先ほどはファンタジーを強引にも合わせてしまったが、どちらが無音に近いかと言われたら、圧倒的に稲葉天目である。一瞬にして引き込まれるのが稲葉天目ということだけで、龍光院天目にある地味さはやはり長時間費やしたい。展示方法としても、この特別室のような形でなく静嘉堂文庫美術館のように、せめて他の器それも民藝品などが近ければさらに静かな異質さは魅力的に感じられるだろう。また、器としてみるならば滋養味がある龍光院天目を選ぶ。

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大徳寺展では列ができていることを知らなかったので累計時間が1時間に少々足りていないが、ここまでが鑑賞の内である。あとで調べてみると、実際に稲葉天目より龍光院天目の方が口径が少し小さいという。長時間見たことですぐに認識できたのかと思うと少し嬉しいが、また稲葉天目の輝きに吸い込まれて行きたくなってしまう。また釉薬の黒を感じるために、龍光院はやはり暗闇からぼうっと出てくる特徴があるため、もう少し展示の光を抑えて欲しかったところもある。茶室で見ると一番魅力的に見れるはずだ。稲葉天目に関しては、龍光院よりも黒が分厚くかかっているように感じ、高台の部分が漆黒が垂れたフォルムのまま固まっているのがユニークだ。ここからもカーテンを捲るように次元の歪みが感じられるような動きがある。

その分厚さの対比としても、稲葉天目が大団体のジャズファンクであるアースで、龍光院がジャスピアノのソロとしておきたい。稲葉天目でアースになってしまうと、それよりも素で虹色を散乱させる螺鈿細工は何になるの？ということになるが、そこはアースよりも宇宙観が薄めで踊れるシックだとか、80年代のディスコだろうか。もちろんヴィヴィットで軽やかな輝きに注目した際に当てはめられるイメージであって、稲葉天目においては深みがあるのはもちろん、現代でも簡単に屈服できてしまう絶対的な輝きがある。それは室町以降の権力に結びついた美よりももっと巨大で神話のような世界観なので誰もが否応なくして引力に飲まれてしまうだろう。

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ということで、名品を1時間シリーズ第9回は、

静嘉堂文庫美術館所蔵《 曜変天目（稲葉天目）》

でした。
稲葉天目と龍光院はだいぶ違うので、時間が足りなかったとはいえ見比べるまでもないくらいですが、藤田美術館の天目を私はまだ未鑑賞なのでいつか比べたいです。とは言え、龍光院=ジャスピアノ、稲葉＝アース、螺鈿細工＝80年代ディスコというのは大雑把でありつつ自分の中では割と納得している違いでもあります。しかし調べたところ、曜変天目が二次元回折光路の自発的な輝きに対して、螺鈿細工は結晶の多層構造によるものだそうで、そうなると螺鈿細工の方はもっとオーケストレーションが積み重なったものと解釈できるのか、、、別の機会に考えます。皆さんにぜひ曜変天目を見る上でおすすめの音楽をぜひ教えていただきたい。

もちろん無音の境地に吸い込まれるのも適しているというか、どのように聴覚を活かすのも自由、大徳寺展前期、静嘉堂文庫美術館の展覧会はどちらも11/8までのため、まだの方はぜひ足を運んでください。

おわり　　

名品1時間シリーズ次回は第10回、おそらくMoMAT、過去記事も面白いのでぜひ。