2025年に約500展を見た四国在住者が選ぶ：展覧会ベスト100＋期待外れだった5展

はじめに

私は香川に住んでいます。美術手帖などでも地方の展覧会に目を向けようとする動きが出てきましたが、レビューの書き手が有力美術館の学芸員であることも多く、地方からの視点という意味では、まだ厚みが足りないと感じています。

そんなこともあって、四国（香川）在住の私が、2025年に全国で鑑賞した約500件の展示のなかから、ベスト100を発表します。地方に住んでいると、近くの展覧会に行くだけでも片道1〜2時間かかることがあり、時間も体力も必要です。そんな条件の中で1年に約500件の展示を見た人は、そう多くないはず。
このランキングが、地方から美術を見るためのひとつの手がかりになれば嬉しいです😼

今年見た約500展示のリストはこちら。

2万字超えなので、まずはTop10だけ眺めて、気になったところがあれば目次から飛んでも大丈夫です。
（全部読むための記事というより、あとから戻って来られる地図や辞書みたいなものにしたつもりです）

このランキングの読み方（短く）

• 個人の鑑賞体験にもとづくランキングです。

• 原則「1枠＝1展示（1会場・1会期）」。

• ただし、複数会場をセットで体験したものは、意図的に1枠にまとめています。

• 芸術祭は会期ごとの体験差が大きいので、春／夏／秋を別枠にしています。

• 上記ルールや館名表記は、追記作業とあわせて必要に応じて整えます。

評価ポイントはこんな感じです

• ① 展示を見ながら、自分なりの「物語」が立ち上がるか

• ② 言葉の限界を少し押し広げ、新しい考え方へ連れていくか

• ③ 照明・導線・接客など、ストレスなく集中できる設計か

• ④ 空間づくりにセンスがあるか（美的な必然があるか）

• ⑤ 魅入られて、飽きずに見続けられるか

• ⑥ 作品だけでなく、美術の前提や仕組み自体を問い直すか

ではランキングを（敬称略です）

ベスト100（1位〜100位）

1〜3位

1位　アートゾーン神楽岡（京都）　梅津庸一 知られざる版画博覧会

　ガラス張りの建物に、なんて綺麗な展示なんだろう。梅津庸一は去年、国立国際美術館でクリスタルパレス展の個展を行った。この建物もある種のクリスタルパレス（水晶宮）でもある。
　そして今回は版画縛りである。制約があるからこそ、梅津がよく言っている「この作品は上方に設置しても耐えられる」とか、「下のギリギリに作品を展示するには施設のこの部分をとった方がいい」といった意図が理解しやすい。
　象徴的なのは、階段の近くの壁に描かれた階段の絵。常に美術制度をズラし、新しい世界を提示する梅津を象徴するかのようだ。比較的把握しやすい作品数のため、様々に思考を巡らすことができる。
　タイトルの「万博」だが、同時期には大阪・関西万博が開催されていた。万博が「見られるため」に作られる場所だとするなら、ここでは「見直すため」に場が作られている。見直す対象は作品だけではない。美術史の見方そのものだ。
　アートゾーン神楽岡のコレクションから拾い上げられる作家名が、いわゆる「王道」とはされてこなかった人々である点が面白い。王道ではないものを並べることで、かえって王道の輪郭が揺らぐ。その揺らぎは、梅津庸一の階段の絵に見られるあの「ズレ」のように、私たちの認識を攪拌（かくはん）していく。
　今年、梅津は次々と展示を行った。京都駅から多少アクセスが難しい場所にあるため、見に来られた人は限られていたが、これが一番かと思う。

2位　再考《少女と白鳥》 第1期贋作を持つ美術館で贋作について考える　高知県立美術館

　高知県立美術館は、贋作「少女と白鳥」を購入してしまった反省に留まらず、その経験を逆手に取り、常設展の新たな可能性を提示した。
　例えば、今回の鑑定で用いた化学分析をコレクションの調査に応用。色彩の成分を分析することで、「ある作家と別の作家が同じ青色を使いながらも、その表現上の意味合いがどう異なるか」といった視点にまで展開させていた。
　さらに、同館の起源でもある絵金（幕末の絵師）をめぐる贋作疑惑など、自館のコレクションを用いて「美術とは何か」「所蔵されるとはどういうことか」という本質的な問いを投げかける。その射程は、単に贋作という「異物」を排除する是非に留まらない。社会における「理解できないもの」や「既存のルールから外れたもの」を安易に排除してよいのか、という深い思索へと繋がる素晴らしい構成だった。
　キュレーターの塚本麻莉と、美術修復家の田口かおりがタッグを組んだ展示となっている。
　この前向きな姿勢ゆえに、多くの助言者が現れたことも特筆すべきだろう。展示の最後にそれら協力者たちの存在が示されていたことにも胸を打たれる。
　最後に、贋作被害にあった作家カンペンドンクのコレクションで知られる、ペンツベルグ美術館館長の言葉を引用したい。 「贋作事件に巻き込まれたことは残念ですが、同時に、これは貴館が孤立しているわけではないことも示しています」

3位　鷹野隆大 カスババ　東京都写真美術館／広島市現代美術館

鷹野隆大の展示というより、共に会場設計を手がけた建築家・西澤徹夫のマジックを見せられた展示だった。西澤氏はこれまで多くの会場設計に関わっているが、これが最高傑作ではないだろうか。
　会場に入ると、すでにいる他の鑑賞者やベンチに腰掛けている人と視線が合わないよう、壁や椅子が緻密に配置されている。これにより、見る側のストレスが劇的に軽減されているのだ。一方で、壁を微妙に傾けることで、死角から奥の気配を感じさせ、空間に豊かな厚みをもたらしている。
　作品番号が薄く見えにくい上に、必ずしも作品の近くに数字があるわけでもない。しかしこの仕掛けによって、番号を追っていくうちに、いつの間にか空間の異なる見え方に気づかされることになる。　
　また映像作品も抑えており、うまく干渉しないよう考えられている。
　巡回先の広島市現代美術館でも、黒川紀章による円環空間を見事に使いこなしていた。最初はグリッド状の整然とした空間から始まり、徐々にそれをずらしていくことで、まるで街中を歩いているかのような感覚に誘導する構成が非常に面白かった。

4〜10位

4位　弓指寛治4年2組 ＋KANJI YUMISASHI GALLERY（FOAM
CONTEMPORARY＋昭島市立光華小学校）

弓指ならではの展示。最初は小学校でアーティスト・イン・レジデンスを行うはずが、実際に小学校へ通ってクラスメイトになり、共作を作るまでになった。このランキングでは銀座での展示だけでなく、2日間にわたり小学校で行われた弓指の卒業展示も併せて評価したい。
　単なるレジデンスにとどまらず、小学生と本当に友達のように過ごして遊び、信頼関係を築いた上で展示を行っている。
　小学校での卒業展示は、校内を使い、本当に「卒展」になっていた。子供たちがはしゃいで床を転がるような空間で展示を見るのは得難い経験で、小学生が口にしていた「大人ってほんと嘘つきで嫌だねー」という言葉が身に沁みた。
　変なプライドを繰り出して作品の幅を狭めているアーティストや、「私はこういう変わった趣味を持っている」とアピールする美術鑑賞者は、これを見て省みるべきだと思った（自分自身のことでもあるけれど）。

5位　非常の常　国立国際美術館

　　展覧会の趣旨は、「非常事態」とは正常な状態に対する例外的なものだ、という認識に疑問を投げかけるものだった。そうした逸脱した状態を特別視するのは実は錯覚であり、歴史を見誤ることなのではないか。むしろ、非常事態はいつだって常に存在している。
　展示全体を通じて、そうしたメッセージが伝わってきた。地味なレイアウトのなかで、一見地味な作品や映像作品をあれほど巧みに見せる手腕は素晴らしい。最後に空間をがらんとした構成にし、余白を感じさせた演出も実に見事だった。

6位　松元悠 夢　兵庫県立美術館

　京都アニメーション放火殺人事件の法廷画家も務めた松元が、その法廷で感じたことを展示化したことは高く評価したい。一歩間違えれば紛糾を招き、松元の作家キャリアをも危うくしかねない、危うい一線を攻めた展示だったと思う。
　それでも表現せずにはいられない松元の表現衝動には、人間の「業」を感じさせる普遍的なテーマが宿っていた。あえて繊細で制作に時間のかかる版画という手法を用いたことで、その時間性が重石となり、この主題を単なるスキャンダルな消費物から遠ざけていた。
　また、松元のこれまでのキャリアを概観できる構成もよく、この展示を兵庫県立美術館の無料空間（オープンギャラリー）で実現させた学芸員の判断にも拍手を送りたい。

7位　国際芸術祭「あいち2025」──灰と薔薇のあいまに

　キュレーターが変わるだけで、ここまで見せ方が変わるのかと驚かされた展示だった。「地方芸術祭疲れ」が蔓延する中、小手先の理屈ではなく、純粋な「センス」を武器に鮮烈な景色を作り上げた手腕はお見事というほかない。

8位　プラカードのために　国立国際美術館

　笹岡由梨子を目当てに見に行った。楽しみにしていた一方で、このメンバーの中では彼女だけ浮いてしまうのではないかと勝手ながら心配もしていた。しかし実際は、会場に降り注ぐ笹岡の歌声が、個性あふれる作家たちを繋ぐ機能として働いていて面白かった。
　また、牛島智子の作品《フェミニズム》が効いていた。三角形から六角形まで、さまざまな図形の頂点を繋ぎ合わせたこの作品は、中央に生まれた空間がフェミニズムを表しているのだという。この空虚ともいえる空間が、結果として全作家を繋ぐ場としても機能していた。
　どう繋がる方法を案に示すのが、現代における一つの「プラカード」でもあるのではないか。そう感じさせてくれる展示だった。
　笹岡由梨子と飯山由貴と全然作風もスタンスも違う2人が結局は元は同じことを行なっていることがわかる展示でもあった。

9位　スキマをひらく　京都市立芸術大学ギャラリー

　乾久美子が設計した「京都市立芸術大学ギャラリー＠KCUA」の開放的な空間を使い、社会における「隙間」とは何かを問いかける展示。
　本展は、2017年の「ミュンスター彫刻プロジェクト」以来、日本で初めて全編公開される田中功起の作品に始まり、小山田徹学長による「大学をひらく」展示で幕を閉じる。この構成は、京都駅周辺の再開発や商業アート化を懸念する小山田学長の言葉とも共振しているように感じられた。
　田中功起の展示については、彼のメインテーマである「いかにして共に生きるか」の原点ともいえる作品の再展示である。過去の作品を再び世に問うことは、時代が変わってもその作品が耐えうるのか、あるいは問いそのものが変質するのかを検証する行為でもある。
　そこには「再展示」という行為自体が持つ時間的なスキマも感じられ、非常に興味深い体験であった。

10位　コレクション展Ⅲ 阪神・淡路大震災30年 あれから30年－県美コレクションの半世紀　兵庫県立美術館

　実は、同時開催の「阪神・淡路大震災30年 企画展 1995 ⇄ 2025」を目当てに足を運んだのだが、このコレクション展もまた素晴らしかった。震災直後から「美術に何ができるのか」という問いに対し、アーティストや美術館、ギャラリーがどう向き合ってきたのか、その歩みが克明に伝わってくる。
　一般的にコレクション展は、最後に彫刻で締めくくる構成が多いように思う。企画展から見始めて疲れが出てきた頃に彫刻が並んでいると、つい「もういいよ」と食傷気味になりがちだが、今回はその使い方に感銘を受けた。
　震災時に転倒や破損といった被害を受けた彫刻たちが、どのように「回復」を遂げたのか。そのプロセスを最後に置くことで、展示全体を力強く引き締めていたからだ。

11〜20位

11位　今津景 タナ・アイル　東京オペラシティ アートギャラリー

　年初見た時は今年これを超えるベストはないかもと思った展示。同じモチーフが繰り返し意味を変え現れる。事前にさりげなく見せて前振りするのも上手い。えぐい話多いけど独自の美で魅惑。

12位　浜田浄 めぐる 1975－　高知県立美術館

　キュレーターは塚本麻莉。故郷の夕日を思い浮かべられるオレンジを要所要所で配置して、最初は単色で抑え、一挙にカラフルに展開する動線に惹かれた。 そして浜田の過去作はまるで今の作家のよう。新鮮な体験をしたのは今年一番かと。

13位　弓指寛治 不成者：現代アートが描く義勇軍　内原郷土史義勇軍資料館

　資料館をどう面白く見せるかというテーマに挑んだ展示。
弓指は環境と連動するように作品を展示するが、その技術を資料に対して行った展示でもある。
文字情報をどう魅せるかという意味では、後半のLINEのやり取り。
そして最後の公文書を巨大にして見せるのも上手かった。

14位　民藝から関係へ　滋賀県立陶芸の森

　すぐれた展示は自分が思うストーリーを読み取ることができる。豊潤な展示なので色々なストーリーを読み取ることができるが私が読み取れたのはこんな話。
　河井寬次郎の晩年、京都五条で「家族的共同体」を築けなかった孤独は、民藝をローカルからユニバーサルな地平へと押し上げた。前衛との混交を経て陶芸は進化を遂げるが、そのヘーゲル的な発展はマニエリスムの閉塞感をも予感させる。
　本展の白眉は、その閉塞へと向かう直前の「純粋な瞬間」を切り取った点にある。やがて陶芸にも「関係性の美学」が浸透し、不要となった器を一度溶かして再生成するような試みが現れる。
　かつて失われた「家族」は、ユニバーサル化された「無用の美」を媒介に、新たな共同体として再生される。それを象徴する造形が、ここにある。

15位　アンチ・アクション 彼女たち、それぞれの応答と挑戦　豊田市美術館／東京国立近代美術館

　アンフォルメルからアクション・ペインティングへ。
批評言語がわずかに書き換えられただけで、概念の本質は変わらないはずなのに、その狭間で埋もれてしまう表現者たちがいる。
本展は、批評のあり方を問う展示としても、フェミニズムの視点からも、あるいはこの世代の作家たちをいかに「軽やか」に魅せるかという試みとしても、多層的に捉えることができる。光り輝く豊田市美術館の展示、荘厳ながらも街の気配を感じさせた東京国立近代美術館の展示。
次はいよいよ兵庫県立美術館の安藤忠雄建築へと巡回するが、あの空間でこれらの作品がどう響き合うのか、期待が膨らむ。

16位　イシカワコレクション展　Hyperreal Echoes　ラビットホール（岡山）

　黒澤浩美のキュレーションのもと、青木淳氏の建築空間の中で、フィリップ・パレーノやライアン・ガンダーといったトップアーティストたちが、作品提供のみならず「美術館のあり方」そのものに深くコミットして作り上げられた展示。
あんまり話題になってないが、キュレーション・作品ともにキレキレの展示。
ある意味、最盛期の岡山芸術交流がここにあると言える。

17位　ファンシーの切断面 そして、無人の待合室　パープルームギャラリー

　ファンシーの意味には、本来「空想」「想像」「思いつき」というのがあるのだそう。
　これは美術という言葉のアナロジーにもなっていると思う。美術の余白、その待合室の中で四人の作家が繋がり合う。 私の悪癖として、何とか展覧会を読み解こうとする。しかし美術に求めることはそうじゃないんだろうと思う。
多分求めていることは解明ではなく解放なのだろう。
切断ではなく余白なのだろう。

18位　表現者は街に潜伏している　そして、ショッピングセンターは街そのものである　パープルームギャラリー

海老名に移ったパープルームギャラリーの第1回展。
梅津やこれまでパープルームの思い出や未来への眼差しが、ギャラリーからあふれ出てるような展示だった。それを受け止めるのが、哀愁漂うダイエーってのが面白い。

19位　瀬戸内国際芸術祭2025　夏会期

　瀬戸芸は春・夏・秋の3回あるが、この夏が一番面白かった。
山川冬樹の「結ばれて当たり前なる夫婦なりしよ」は、会場にあるこの本を取れば、なぜ彼がこの無宗教派の影響を受けた会場でこの展示をする必要があるかが分かる。

20位　安藤裕美 残暑特選版画展　WATERMARK Arts & Crafts

　版画が「一瞬とその後」を遅い時間で固めていく一方で、色の絵は「一瞬の体温」をそのまま壁に貼り付ける。その両方が同じ空間にあるから、鑑賞は追体験ではなく、記憶の温度差を往復する行為になる。残暑の会場に、涼しさと熱が同居している。まさに残暑。

21〜30位

21位　梅田哲也・呉夏枝 湿地　東京都現代美術館

　会場マップに象徴されるように、表の呉夏枝と裏の梅田哲也が重なるように展示される。吊るす紐を見れば分かるが、柔かな呉と硬い梅田とも言える。

22位　ジャム・セッション　石橋財団コレクション×山城知佳子×志賀理江子　漂着　アーティゾン美術館

　山城知佳子が素晴らしかった。会場のたくさんのスクリーンに奏でられる物語が、最初と最後で時間的にもシンクロする。オキナワという多様な歴史を表すのは、これしかないなと思った。

23位　竹崎和征 須崎　すさきまちかどギャラリー（高知）

　昨年逝去した竹崎和征の一周忌に合わせて行われた展示。キュレーションは彼のパートナーの竹崎瑞希。
　風景のスケッチをシュレッダーにかけて、無作為に再編成する「カットアップ」の作品がたくみに配置されていた。
外に向く梯子や、最後の地となる丸亀を描いた絵が、没後もどこかへ向かおうとしているように見えた。

24位　Being - PEACE is a Verb　√K Contemporary

　弓指寛治もキュレーションに関わり、彼がアートアドバイザーを務めた南飛騨Art Discoveryのメンバーや、ゆかりの作家たちが参加する。「アートを思想を語るための道具にしたくない」と語る弓指。優れた戦後80年企画だったと言える。

25位　佐藤雅彦展 新しい×（作り方＋分かり方）　横浜美術館

　表現の世界とは無縁だった佐藤が「別のルールでものを作ろうと考えている」ことにこだわったり、そして最後に教育に行き着く。彼の姿勢が一貫していて泣けた。

26位　笹岡由梨子 ポロニア×キュリー・マジック・ラボ　大阪市中央公会堂

　最近は国内ではグループ展のイメージの笹岡の貴重な個展。怪しく艶やでエキセントリックな作品が続くが、結局家族の話を繰り返し表現していたことが心にくる。人間には有限で可傷的な身体しか持てないので家族は重要ですね。

27位　大竹利絵子 いるのここの　井原市立平櫛田中美術館（岡山）

　木という存在感の強い物質を掘り込むことで、その存在感と輪郭線を脱臼しようとする。 タイトル「いるのここの」には主語がない。そりゃ輪郭も消えてるから。展示室と一体化する稀有な展示。

28位　書の詩（うた）を聴け　WATOWA GALLERY

　明治の西洋化で王道を歩んだ美術、中国化を挟み西洋化した書。書は美術の並行世界を見ているようであった。展示はさらに書のパラレルワールド、つまり美術のパラ・パラレルワールドを見せる。奇しくも大木裕之さんの生前・没後に会場へ行くことになった。

29位　ヒルマ・アフ・クリント展　東京国立近代美術館

　展示構成が良かった。アフ・クリントが作ろうとした幻の神殿は螺旋構造だった。《10の最大物》は紙のため光による劣化が早く、光量を確保できない。それを逆手に取り、複数の部屋で照明の明暗を利用して仮想的な螺旋構造を作っていく。そして、この《10の最大物》がある暗い部屋が、螺旋の頂点に来るように仕掛けられている。

30位　日常のコレオ　東京都現代美術館

　コレオは振り付けのことで、フーコー的に言えば無意識に社会的強制を受ける「振り付け」と、それに抵抗する「振り付け」を表している展示かなと。佐々木健のゲバ棒の作品がある部屋自体が、座り込みなど政治運動に参加した人へのオマージュだった。しかし、もの単体で描かれると、部屋のストーリーが寸断される気がした。そしてその暴力性が手触りのように感じられた。

31〜40位

31位　磯崎新 群島として　水戸芸術館

　重力にこだわる磯崎。それを象徴するかのような塔。その重力を束の間だがキャンセルできる海はユートピアだ。それならば、塔は海に潜る潜水艦でもある。その証左に、タワーの窓は潜水艦のそれである。ならばこの群島は、磯崎がキャンセルしきれなかったものの展示である。
　あえて仮設壁を設置せず、磯崎のオリジナルの空間を活かして展示。このスコンと抜けるような展示空間。普通なら怖くてできないだろう。すごい。

32位　安藤裕美 ものをつくる人々　六本木ヒルズA/Dギャラリー

　作品の前でまず起こるのは、手元への視線の移動だ。ものを作る人の手を追ううちに、自分の手の重さや温度まで想像してしまう。しかも絵肌が漆やや釉薬の膜のようで、制作の手触りがリアルに届く。見ることと触れることが重なり、二重のリアリティが立ち上がる。

33位　浦川大志＋梅津庸一 ふたりで描く夏　カフェ＆ギャラリー陶園

　仲が良いのか悪いのか、多分仲が良い2人の夏休みの共作。会場の屋根が斜めの構造であることを利用して、向かって左の壁の共作が、中央に象徴される陶芸の街を経由することによって、右の壁の作品へと完成・圧縮していく展示にも見える。

34位　ヒメコレ！ 現代アートコレクションでめぐる時空旅行　奈良市美術館

　個人の現代アートコレクターの展示。ものすごく分厚い展示解説を作ったりゲストにMESや長谷川新を呼んだりすごい情熱。

35位　そのへんにあるもの　京都芸術センター

　田中功起の新作《ラディカル塗り絵》を見に行った。共作者は田中遡原さん。つまり田中功起の子どもだ。1年を振り返って写真を眺めると、つくづくいい作品だなと思う。田中功起の作品で一番好きかもしれない。

36位　しないでおく、こと。― 芸術と生のアナキズム　豊田市美術館

　「シニャックの点々は、点が独立しているけれど全体としては調和しているからアナキズムだ」といった、今まで考えたことがない視点が多く面白い。スピリチュアルな視点がエッセンスになっているのが効いていた。
今思えば、生前の大木裕之さんの新作を見るのは、これが最後になった。

37位　戦後80年《明日の神話》原爆×芸術　川崎市岡本太郎美術館

　冨安由真の3種類の照明を切り替えて意味を変える手法は、あいち2025（国際芸術祭「あいち」）にも引き継がれているように思う。 　
　また、李晶玉の《SIMULATED WINDOW》も印象深い。隣接する小林エリカの作品はセレナーデという言葉が印象的だが、セレナーデには「窓下」で演奏される楽曲という意味がある。それならば、さきほどの暗室で見た光は、あのEnola Gay（エノラ・ゲイ）の窓の下の光だったのだろうか。そんな風に、思考が繋がっていく。

38位　西澤諭志 １日外出券　YAU STUDIO

　金川晋吾と西澤諭志がスペースをやっていて知った展示。 　美しい写真たち。不思議な横長のフレームにみっしりと、しかし美しく並ぶ写真。美しいものも不穏なものも入っている。今の日本を詰め込んだようでもある。

39位　1990–2025　作品、建築、自然　DIC川村記念美術館

　閉館前に行けて良かった。ロスコルーム「壁面No.4」のためのスケッチ。向かって右側の空洞に引き込まれそうになった。絵と一体化する感覚はなかなか得難い。一度屋外を通ってから、廊下で徐々に暗くしていき、あの赫（あか）い空間を作るという演出は素敵すぎる。

40位　被爆80年企画展 ヒロシマ1945　東京都写真美術館

　報道側にも注目した点、例えば政府・軍に統制され「中国新聞社国民義勇隊」に組み込まれた結果全滅した話など考えさせられる話は多かった。 写真を撮った側の強い葛藤がつづれ織のようにつながる展示でもあった。

41〜50位

41位　シンガポール美術館協働企画 ベネッセ賞受賞アーティスト作品展示　ベネッセハウス ミュージアム

　アマンダ・ヘンの作品を見にいくため昨年にも行ったが再訪した。車椅子の母の写真とか、足をよく見ると裸足で褥瘡予防のパッドをしてる。これはもう歩けなくなったことを意味する。葛藤のあった母がもう十分動くこともできないって伝わってくる。こんなに感情が伝わる展示はない。

42位　チェン・フェイ展 父と子　ワタリウム美術館

　現実は過酷で、先を見ても滅入ることばかりだ。過去に戻り、何気なくも貴重な一瞬を体験できるなら。たとえその一瞬がなくても、それを捏造できるなら。 そう感じさせたこの展示は、ある種のSFだった。中国でこの手法が採られたという現実も、その意味も考えさせられる。

43位　記録をひらく記憶をつむぐ　東京国立近代美術館

　戦後80年経った今、我々観客の振る舞いは、過去からどう位置づけられるだろうか。ある意味この展覧会から、密かな「強度テスト」を受けている　ー　そんな気がした。
　しかしこの展示、手放しで絶賛している人が多いのは違和感がある。もっと見せ方は工夫できるのかなと。学術的には面白いけど。

44位　横浜美術館リニューアルオープン記念展 おかえり、ヨコハマ　横浜美術館

　日本のフロントラインである横浜は、歴史的に摩擦も起こすが、その防衛ラインでもあり、女性や子供の犠牲の影で成り立ってきた。
　展示の円環構造が象徴するように、問題は繰り返されてきた。隠れた、時代を先取ったマイナーな作家を、柔らかな空間に生まれ変わった美術館に召喚して問い直す。
違和感があったのは、柄谷行人的な世界観だったこと。これが今の世でどこまで機能するのかはわからない。

45位　安藤裕美 × 梅津庸一 造形世界における連弾　GALLERY URO（大阪）

　「連弾」の面白さは、同じ鍵盤を共有するぶん、相手の癖が自分の癖になるところだ。ここでは、壁面の大きな色面がまず癖になり、小品がその癖を別の癖へ変える。だから見ている側も、自分の視線の癖を何度も修正させられる。二人の共演は、作品の制作だけでなく、鑑賞の運動まで共同で作っている。ギャラリー空間を鍵盤とみなす比喩が、単なる言葉ではなく構造として効いていた。

46位　サウンドウォーク・コレクティヴ & パティ・スミス　東京都現代美術館

　「岡﨑乾二郎　而今而後 ジコンジゴ」展を見に行ったのだが、そちらは今ひとつだった。しかし、同時開催しているこの展示は素晴らしかった。
　チェルノブイリ、ルブリョフ、パゾリーニなど。インスパイアされた物語を独自の映像と音で見せる。「神は自分自身」であるなら、神殺しとは自殺なのかもしれない。実際、環境破壊はそうだよな、などと思った。

47位　西島大介個展 セカイ系のノスタルジア　パープルームギャラリー

　西島大介という、サブカルチャー作家とも漫画家とも言い切れない不思議な存在の作家に、美術や複製芸術の起源とも言える「版画」を制作させた点が非常に面白い。
梅津やカワラボがかなり「指示」し「支持」したのだと思うが、そのプロセスもまた工房システム、すなわち現代の建築やアニメの工程を連想させる。何重にも批評性が重なり合う展示だった。

48位　梅津庸一　空転する美術の営為　ビーク585ギャラリー（大阪）

　　3回訪れたが、毎回の新発見が楽しい。ステートメントの赤字に初回で驚き、再訪で《結集》のアクリル使いの意外性を深掘り。冊子を活用し、オーナー川部との会話が作品の多層性を引き出す。
梅津が過去の未完ドローイングを本展のために仕上げた作品もあり、繰り返す、受け取り方によっては空転する作品群とも言える。
繰り返す、あるいは空転しているのはこのギャラリーか、私たちか、梅津か。多分全員なのだろう。空転するから面白い。

49位　いつもとなりにいるから（日本と韓国、アートの80年）　横浜美術館

　　クライマックスの李晶玉らの「突然、目の前がひらけて」の2025年にかけられた橋は、登る方法がなく踏み板もない。高く浮遊するような橋である。2015年には葛藤があっても渡れたはずで、その足場は何かを考えさせられる。
　続く田中功起の「可傷的な歴史（ロードムービー）」は、4モニターの前に、青いパネルに挟まれたソファーがある。壁には海を思わせる青が目立ち二つの国を連想させる。しかし、その壁の写真の橋のイメージが、この作品で言及されている悲劇を想起させる。
　橋をかけることは難しいけど橋をかけないといけない。それは平和とか平等そういう話ではなく、橋をかけようとするのは人間の衝動なのかもしれない。それがこの展示全体のテーマだとも言える。

50位　瀬戸内国際芸術祭2025　秋会期

　今回の瀬戸芸の特徴は、島を持たない地域の展示である。夏会期で言えば、それは手袋の作品がある引田町だった。秋会期は塩の街である宇多津だ。
　塩の世界的なトップアーティストとはいえ、イスラエルの作家シガリット・ランダウを呼ぶことは芸術祭を破綻させかねない選択だが、北川フラムはそれを実行した。そして瀬戸内アジアフォーラムではパレスチナ・ミュージアムの館長を招き、感動的な演説を行う舞台を提供した。
　アートの可能性とその射程の広さを信じている北川の凄さが出た会期だった。北川フラムは普段、政治的な発言はしない。だが、それこそが北川の政治的スタンスであり、彼こそが一番政治的なアーティストでもある。

51〜60位

51位　開館記念展示―原点から未来へ　直島新美術館

　開幕日に行った。本来ならもっと上の順位を言ってもいい展示だった。ただ村上隆・会田誠の展示はこれでいいのかという疑問が残る展示だった。ソ・ドホ、蔡國強の展示は素晴らしく必見。
　蔡國強のベルリンの壁を越えようとする狼は、今の緊迫した世にこそ相応しい。
　そしてこれが地下に展示されていることも示唆的。ベネッセは東京中心主義のカウンターとしてアートを展開している。だから大阪の安藤忠雄に建築を依頼している。中央集権の美術史を何度も越えようとする狼に託し、それが地下、つまり原点にあるという宣言にも見えた。

52位　アレック・ソス 部屋についての部屋　東京都写真美術館

　アメリカ写真史の系譜にリリシズムを吹き込んだソスの世界。6つの部屋を巡る旅はデジャブ感に満ちており、屋内外という境界線が意味を持たないことに気づく。そこにあるのは人の痕跡と眼差しだけであり、それこそが場所を暖かな「部屋」に変える唯一の条件なのだと感じた。

53位　セカイノコトワリ　京都国立近代美術館

　1995年以降「世界に出ていく」ことはどういうことだったのかも、この展覧会の一つのテーマだ。それはグローバル化によって、日本が他国から「見る・見られる」の関係をさらに強く意識する時代でもあった。
　石原友明の作品は、私たちは世界を見ているつもりで、実は世界に見られていることを突きつける。続く小谷元彦では、その反転がさらに鋭くなる。こちらは少女を見ているはずなのに、むしろ少女の側から視線を返されている感覚が強まり「見ている」という立場が崩れていく。続く森村泰昌は、その「見られること」を避けずに、背負い、引き受けているように見える。　グローバルとは、自由の拡張ではなく、可視性の負荷としてのグローバルでもある。
　そして田中功起の展示は、前へ進むことではなく「見直す」ことだ。時間を置いて語り直す・見直すことで、当時の自分の輪郭や、引いていた境界線が、今の視線で更新されてしまう。その更新は「正しくなる」ことではなく、揺れながら組み替わることに近い。
　「見られる→見返される→見られることを担う→見直す」という連鎖の中で、展示は「世界のことわり」を答えとして示すのではなく、自分の立ち位置を何度も訂正させる方法として提示しているように見えた。

54位　梅津庸一　凖応用美術　六本木ヒルズA/Dギャラリー

　屏風と室内デザインは、作品を引き立てるための背景というより、こちらの鑑賞の呼吸をそっと整えてくれる余白のように働いている。そもそも風炉先屏風は、茶の湯で道具畳の向こうをゆるやかに区切って、場に「けじめ」をつけるための低い二枚折りの屏風だという。
　ここでも同じで、屏風は「ここから先は展示の速度で見よう」と、目線のリズムを切り替える合図になっている。けれどそれは、壁のように遮る仕切りではなく、歩幅や視線のテンポを少しだけ整えるためのやわらかな線だ。梅津が語る「純粋」と「実用」のどちらにも寄り切らない美的空間がそこにあった。

55位　SENSES COMPLEX　ギャラリーノマル（大阪）

　梅津庸一の新作《「ファンシー」の切断面》も展示されていた。これは後に梅津が企画するパープルームギャラリーの「ファンシーの切断面 そして、無人の待合室」につながる。これは梅津から後に教えても頂いたのだが、版画の層を縦に切断したイメージなのだそう。つまり版画の層が見えている。美術制度の表を見せるのでもなく裏でもなく、その両方を含む切断面を見せるという意味にもとれて面白い。
　それを考えると、近くにあった上田佳奈の作品も切断面に見えてくる。なかなか強い、汎用性のあるワードだなと。

56位　梅津庸一　止まらない空転、それを緩和する密やかな版画展　BEAK585

　最初はアポイント制で静かに行われていた。梅津のスタンダードな構成で、高低差をあまりつけない展示ながら、鉛筆の壁線が真っ直ぐ、あるいは自由に計算された形で版画と連動し、梅津の表現を表すように空間を深めていた。鉛筆の線と高低差のない堅実な展示は、このギャラリーや美術制度の空転を止めよう、あるいは補助しようとする象徴のようだった。

57位　神戸六甲ミーツ・アート2025 beyond

　風の教会の岩崎貴宏の作品が素晴らしかった。戦後80年、阪神・淡路大震災から30年を意識した作品。実在した建物や建てられなかった建築模型が十字架に向かう。安藤忠雄のあの空間・あの光に負けない方法はこれしかない。
　田中望の作品は、観光業が自然と共存しようとしてできなかったことが語られる。ユートピア論とも考えられるし、芸術祭への批判としても優れている。特にこの芸術祭が、北川フラムのスタイルと違って観光業者の芸術祭であることが効いていた。

58位　Osaka Directory 9 Supported by RICHARD MILLE: KOURYOU　大阪中之島美術館

　新作の《大阪ヤソシマ会議》。『帝都物語』の会議が元。相変わらず発想が読めなくて面白い。初めて見た女木島での展示では、様々な作家によって生まれた生成AIのような展示だった。今回は円卓における群像劇。卓をワイワイ囲むことにより「公共」となり「家」となる。KOURYOUの大阪への想いが感じられる展示だった。

59位　金川晋吾《father 2024》上映会　東京都写真美術館

　映画《father 2015》では父子はソファーの両端に座り、距離が空いていたが、今回は「本を読む」という設定上、接近して並ぶ。それは父子の摩擦も以前より少なくなったと感じさせる。ほとんど視線を合わせるシーンもなく、カメラで撮り合う時だけ視線が合うのも素敵だった。

60位　都美セレクション2025 パブリック・ファミリー　東京都美術館

　金川晋吾の作品が目当てだったんだけど、キュレーターの西田祥子をはじめ、テキストが充実していて満足。
　西田祥子のテキストにあった「明日死んだら、入れる墓がある」という言葉が象徴的で、縛られることゆえの温かさというものはあるわけで、この辺りのねじれが「家族」の根源なのかもしれないと感じた。
　作家が変わってもアイテムが重なるようになっていて、シームレスに見ることができ心地よかった。

61〜70位

61位 瀬戸内国際芸術祭2025　春会期

　瀬戸内国際芸術祭の春会期は視覚的にも楽しかった。それに加え、初開催となった瀬居島エリアでは、美しい自然と埋立工業地という二重性に切り込む作品が多かった。広島を描く福田惠や小西紀行をキーとなるところに配置しているのは、その二重性の原点には戦争の影があることを感じさせた。

62位　大東忍 展 路体　ギャラリーサンセリテ（豊橋）

　「路体」とは土木用語。地層の深層のことである。 完全な自然の層である原地盤と、舗装の間にある。自然の圧を大地に表す、ある種の地霊ともいえる。大東が盆踊りをして絵を描く理由が、わかった気がした。
　過去作を並べ、奥に続く絵を配置して、このギャラリーの白い壁から続く「道」を見せたオーナーの意図は、たぶん大東の未来を祝福しているものだろう。

63位　浦丸真太郎 受粉　KOGANEI ART SPOT 2F

　縫い合わされそうで、縫い合わせ切れない関係。それは慈しみなのか暴力なのか。たぶん、その境界はなく一塊となったキメラのようなものなのだろう。考えてみれば、それは性だけではなく社会のいろんなところに点在しているのだろう。美しい展示でした。
　ちなみにこの展示の後、浦丸はここで展示した縁もあって、ここの展示の構成も担当したことのある弓指寛治の会場の設営の手伝いをすることになる（第3回刑務所アート展の第2会場）。縁って不思議ですね。

64位　知覚の大霊廟をめざして—三上晴子のインタラクティヴ・インスタレーション　ICC

　昔、田中功起と馬定延の対談を見に行ってから馬定延に興味をもち、それつながりで三上晴子にも興味をもった。
　一般的にインタラクティブ・アートは、鑑賞者の体験という言葉だけで消費されがちである。しかし彼女のアプローチは、一方で経験主義的な、極めて細かな世界の観測に基づいている。だがその一方で、視点を一気に切り替え、それらを俯瞰するような超越的なメタ視点を併せ持っている。
　かつてフーコーは、こうした「経験的なもの（身体的観測）」と「超越的なもの（知的な俯瞰）」の二面性について、現代においてこれらを一つに統合することは不可能であると説いた。しかし、今回の展示は、その相容れないはずの二層を地続きに統合できているように錯覚して面白かった。

65位　スターニャン原画展『ほしねこくろが育った家』　経堂アトリエ

　とにかく可愛い。可愛い連発してて会場にいた友杉宣大に面白がられた。だって可愛いからね。

66位　ペドロ・コスタ インナーヴィジョンズ　

　東京都写真美術館は、展示構成がいつもセンスあると思う。今回も素晴らしかった。 顔の大写しがキーとなるが、それを動線に合わせてあらかじめチラ見せする。全身を見せる時は、遮蔽物を曲がったところでいきなり見せる。

67位　近代名古屋の日本画界　名古屋市美術館

　東京・京都の影響、特に江戸の影響を受けながら、発展していった歴史をたどる。 大正期、中京画壇が停滞した中で頑張った朝見香城ら。さらに停滞を打破した愛土社の1人である石川英鳳。その後の世代で東京から帰京した富田范溪らの絵が面白い。彼らの業績は名古屋博覧会につながる。
大阪中之島美術館で行った「大阪の日本画」とかこういった企画をもっと見たい。

68位　マリーナ・タバサム・アーキテクツ　TOTOギャラリー・間

　この展覧会でいちばん強く残るのは、「建築＝建物」ではなく「建築＝集まるための地形」だという感覚。モスクの円形の開口や光庭を通って床へ落ち、影の移ろいが祈りと日常の境界を更新していく。そこにあるのはイスラム建築の模倣ではなく、気候と都市の圧力のなかで「共同体が息をできる余白」をつくる技術。錆色のレンガ（焼成された土の赤）が、時間と環境への耐性を美しさとして引き受けているようにも見える。

69位　永遠なる瞬間 ヴァン クリーフ&アーペル 　ハイジュエリーが語るアール・デコ　東京都庭園美術館

　西澤徹夫が会場構成をしている。第1会場は絨毯と台座を使い、どこまで変遷をストレスなく見せるか。第2会場は壁を使い、どう見せるかの対比が面白かった。

70位　岩名泰岳 + 松元悠「一揆米屋を襲ふ」　2kw gallery

　　「見えているものをすぐに白黒つけないでおこう」という展示なのだと思う。
　松元悠の〈はまぐり〉が吐き出す蜃気楼が印象的だが、蜃気楼は気温の上下によって正像にも逆像にもなる。しかし、どちらが「正しい姿」かということよりも、それが「そう見えてしまう」こと自体がポイントに思える。噂やSNSも同じだ。真実と誤報が混ざり合ったまま流れてくる状況において、それらを安易に選別しようとするのではなく、その揺れ方そのものと付き合っていくしかない。
　一方で、岩名泰岳の絵画には時間の堆積が感じられる。だからこそ、この二人の展示は、情報がひっくり返る瞬間の不安から距離を置き、「まあ一回、そこで踏ん張ってみよう」という足場を置いてくれるような、そんな展示だった。

71〜80位

71位　にしもとまゆこ個展 にほんの木のまえで　書肆翠（広島）

　作家活動を再開し現在「出張！パープルーム予備校」に広島から通っているにしもと。
　作品数が多いのに、情報がうるさくならないのは、一枚一枚が「言い切らない」からだと思う。木は木でありながら、同時に記憶の置き場所でもある。派手な主張の代わりに、地面の硬さや空気の薄さみたいな感覚が残る。
　にしもとの展示は３回みているが、こちらが色々な物語を読むことができる作家でもある。その辺は「言い切らない」ところにあるのかも知れない。

72位　奈義町現代美術館　山本一雄 小さな部屋から

　国立ハンセン病療養所・長島愛生園で暮らす山本一雄の２回目の個展。今回は磯崎新建築での展示となる。 説明には「面相筆という細い筆で塗り重ねられた作品には、圧倒的な時間が凝縮されています」とある。確かに。
磯崎建築の天井が山本の作品をiOSのリキッドグラスのように映り花を添える。

73位　周辺・開発・状況　現代美術の事情と地勢　下瀬美術館

　オルタナティブな活動を担ってきた作家たちが、企業的なマネジメントのもとにある美術館で「美術展をする」こと自体を、あえてそれらしく、つまり「かのように」遂行し直してみせる展示だったように思えた。
　展示室の中心に作品を据えて正しく見せるのではなく、MADARA MANJIはコンテナの脇に介入することでコンテナ群に別の重心（中心）をつくる「かのように」配置し、遠藤薫の渦巻く木材は空間の空気ごと巻き込みながら、美術館の中心とは異なる中心を立ち上げる「かのように」設置され、鈴木操の半身像は美術史の中心を代表する「かのように」そこに立ちながら、半身であることによってその中心をむしろ欠落させてみせる。
　とりわけ遠藤の作品の強さは、美術館の中心とは別の核を館内に住まわせるようで、その憑依を経たあとで見ると、久木田大地の作品は、憑依の残滓と中心がずれたあとの戻りきらない感覚を受け止める残像として見えた。

74位　ルイジ・ギッリ 終わらない風景　東京都写真美術館

　「風景を初めて、そして最後に見るかのように見るとき、人は世界中のすべての風景に属しているという感覚を得る」
　ギッリが「見る/見られる」を追求したように、展示構成も壁の狭いスリットの隙間から他の鑑賞者を眺めるようになっている。

75位　山本理顕展 コミュニティーと建築　横須賀美術館

　山本の美学が結晶したような展示。模型が連続するけど、それが山本らしくていいんだよね。山本は美学の人だね。

76位　菊地敦己 机上の空間　思文閣（京都）

　菊地敦己はいつも空間的で知的なパズルを提供してくれ、それを解くのが楽しい。パズルといってもパズルに不完全さを入れてるところがいいんだよね。

77位　布施琳太郎 市外劇＝ツアー型展覧会 パビリオン・ゼロ：空の水族園　葛西臨海公園

　ツアー自体は落選したがツアーを観劇するというポジションで参加。外部から見る様子はまさに水族館。ツアー落選組でヘッドマウントをシェアしながら歩いたり楽しかった。鳥の視点ではなくバードウォッチャーの視点で観劇した。

78位　猪熊弦一郎博覧会　丸亀市猪熊弦一郎現代美術館

　建築史家の五十嵐太郎、アートアドバイザーが菊地敦己という、夢のような布陣の展示だった。
　例えば絵画であればサイズが固定されているため会場構成はしやすい。しかし、これは資料展なので、アーカイブ写真をどう見せるかがポイントになる。それをストレスなく見せる会場構成は非常に勉強になった。
　わかりやすいところで言えば、動線を完全に固めずに通れる隙間を作って窮屈さを軽減したり、展示ケースをある程度まとめた上で、あえて少しだけ隙間を開けたりするといった工夫だ。

79位　Trans-ヴィジョン비전　Syndicate（高松）

　展示作家の一人ormは「電柱の彫刻を作り他作家の電気を供給」するという聞いたこともない発想をするアーティスト。尖った展示が多かった。

80位　第3回刑務所アート展　京島劇場

　毎回鑑賞している刑務所アート展。行くたびに主催者の風間勇介の仲間が増え、そして第1回・第2回の人たちの「その後」も知れるのが面白い。会場構成の協力は弓指寛治。弓指が関わっていない第2会場の構成も良かった。

81〜90位

81位　MUSE 笹岡由梨子　ART SCRAMBLE グランフロント大阪

　笹岡由梨子とキュレーターのパヴェウ・パフチャレクのYPコンビ。この二人が組めば、安定して面白い。
　おそらくパヴェウ・パフチャレクの発想だと思うが、ユートピアという視点からこの作品を批評する。しかし、笹岡は「家族を描いている」という。理想主義としてのユートピアは、往々にして家族を解体しようとする。しかし、人はたぶんそんなことはできない。その両面を持っているのが人間というものなのだろう。

82位　八王子芸術祭2025　八王子市中野など

　　鈴木初音、坂田桃歌、堀田千尋、内山翔二郎など、「これほとんど南飛騨 Art Discoveryだろ」と思うメンバーがそろう。キュレーションは、弓指寛治のインストールを手がけているDUST BUNNYの田坂和実が行っている。南飛騨 Art Discoveryがコンパクトな芸術祭なら、これは「コンパクト・コンパクト芸術祭」だ。しかし、規模の小ささを補って余りある移動体験と、面白い作品が揃っていた。

83位　猪熊弦一郎展　Since 1955　丸亀市猪熊弦一郎現代美術館

　「大竹伸朗展　網膜」と同時開催されていたコレクション展。大竹の作品とゆるやかに繋がる構成だ。猪熊がニューヨークに渡った1955年と、大竹の生年を重ね合わせる。年齢とともに凸凹（デコボコ）が増していく大竹に対して、次第にフラット化していく猪熊。
　あいち2025にも通じるような、センスの良さを感じる展示だった。

84位　須田悦弘　渋谷区立松濤美術館

　この写真だけで通じるよね。

85位　松元悠「断片親子」　　アート / 空家 二人

　1階の居室は、実際に親子や身近な人間関係が「社会事件」として言葉にされる瞬間を表す空間。2階の和室は、松元自身の作品背景や母との交換日記など、私的な生活の空間になっている。 上下を往復すると、断片は公的な記録と家庭の記憶の間を揺れ、観客は全体像よりも先に「距離の取り方」を問われる。
　この難しいテーマを美談にも断罪にも寄せず、断片の集まりとして扱うことで強度を出している。メール、証言、旅の記憶、共同コップ、何気ない言葉――どれも些細なものだが、積み重なると逃げ場がない。でも積み重なること自体が、家族とも言える。

86位　共鳴のコレオグラフィー ベトナム現代美術展　香川県立ミュージアム

　ハン・ハンの《忘れえぬ土地》は、髪の毛を縫い合わせた作品だ。暗闇の中で床に乱雑に置かれた造形からは、縫うというより、縫うために「刺す」という感覚が強く伝わってくる。そして、その暗闇を照らしているチュオン・クエ・チーの電飾作品は、照明弾を意識しているかのようだ。
　照明弾に続く爆撃、そしてハン・ハンの焼けた髪の毛。もし、かつてのベトナムが今の日本なのだとしたら。ベトナム戦争終結から50年、日本は戦後80年。幽玄の彼方へ連れて行かれた先に見えるのは、このような光景だったのかもしれない。

87位　鈴木初音個展 傍のふるえ　下北沢アーツ

　自然を素材にしたフレスコ画や和紙の絵。最後に展示されていた和紙の作品は、蜘蛛の巣のように繊細で、実際に触れることができる。そこには刺繍が施されており、再び「人の手」が加わっている。
　自然に触れる手は、いつしか自然に触れられていた。 幸せな気持ちになるね、こういう展示は。

88位　√K Contemporary　ネルソン・ホー 鏡中花、水中月

　マレーシアのクィアアーティスト。その独特の紅い色彩。これは日本の封筒に影響を受けた色で、そのペイントの手法は日本画なのだそう。 洛中洛外図のように日本な多視点を組み込んでいる。 この木の連作、このガラスの屏風。かっこいい。

89位　スケッチーズ　八瀬の石黒さん家から見た世界　京都精華大学ギャラリーTerra-S

　陶芸家石黒宗麿の展示。というより彼が「残そうとしなかったもの」の展示。彼は柳宗悦と対極の思想で犬猿の仲であったこと。つまり逆民藝・逆無用の用。なかでも松元の版画と木片を組み合わせた造形は新鮮だった。

90位　家終い-のこされたモノが語る家族・地域の記憶-　瀬戸内海歴史民俗資料館

　みなみしまさんが香川に来られた時にここへお連れしたら、ものすごく喜んだ。たぶん今年のベスト展示に選んでいるはずだ。
　「家終い」がテーマだが、同時期に瀬戸内国際芸術祭の大島で鴻池朋子が「墓終い」をテーマにしていた展示が、本来は関係ないけれど連動していて面白かった。

91〜100位

91位　MAPPING TOPOLOGY（KOURYOU個展）　天野画廊

　「MAPPING TOPOLOGY」は、形を歪ませても「つながり」を失わない位相幾何学の性質に基づいている。大阪の諸相を地図の上で呪術的に縫い合わせ、再編する。瓦屋町の入り組んだ路地と急峻な坂道は、その設計図に描かれた複雑な接続関係を現実へと引き寄せる、最良の舞台装置となっていた。

92位　運慶 祈りの空間―興福寺北円堂　東京国立博物館

　立ち並ぶ像に、日本のサブカルチャーの影がちらついていて面白い。そして、この展示は北円堂という「唯識」の寺を再現している。唯識とは、自分の外部の世界は自分の内部の表れであると要約できる。それならば、日本という「内部」を表したのがこの空間といえ、それがサブカルチャー的であるというのが面白い。

93位　「一枚の絵　ーある従軍看護婦の別れ　弓指寛治作」 山陽堂書店　山陽堂書店（表参道）

　下呂の展示から店主が購入された作品の展示。いつもは資料を豊富に展示している印象があるが、今回はすっきりとした引き算の展示。情報量が絞られている分、多様な視点で見ることができる。階段の途中から見上げると、木々豊かな下呂の風景に見える。

94位　第33回 折々の作家たち展　ギャラリーヒルゲート（京都）

　ギャラリーヒルゲートは、1988年に京都で開廊し、多様な作家の作品をジャンルを超えて紹介する企画展を多数開催する場として知られる。「折々の作家たち展」では、梅津庸一の新作版画が129名の作家の作品群の中に配置されていた。 　オーナーが「わたし素人ですから」と謙遜するが、梅津が「こんな素人いないですよ」と思わず突っ込む。情熱と包摂をもつオーナーの静かな強さがあってこその「折々の作家たち」なのだなと思った。

95位　没後70年 日本画家・中島菜刀（前編）　鳥取県立美術館

　戦中・戦後不遇の人生のうえ53歳で夭折した画家。 戦前も貧乏で苦労したらしい。今回はその戦前の作品 暖かく優しい絵が特徴。 実は小早川秋聲と同郷同期。

96位　上村洋一 個展「Waterforest」　hakari contemporary（京都）

　環境音楽家。しかし、彼が作るテキスタイルは美しい。モニターを透過して見ると、さらに不思議な空間が立ち上がる。風に揺れる姿もいい。環境音はループしてはいるのだが、二度聞いても同じ音とは思えない。たとえるなら、水も循環はするが、二度と同じ水には出会えないのと同じ。

97位　真鍋博 カコをみる、イマをみる、ミライをみる　愛媛県立美術館

1970年の大阪万博にも関わっていた人物。「タブローでは言いたいことも言えない」と言った真鍋が、やがてこう語る。
「万国博のパターンは未来都市の都市パターンではない。会場を彩った赤、青、黄、緑、黒、白、そして金、銀のカラーは未来都市のカラーではないのだ。未来都市はわれわれにとって白いキャンバスだ。その未来都市のための絵の具が、この万国博の広いパレットに並べられているのだといえる」。
万博の年に、この真鍋の絵の魅力と想像力は批評的に効いていた。

98位　染色家　長尾紀壽展 －祭り・自然・暮らし　岡山、京都から沖縄へ－　岡山県立美術館

　神々しく禍々しくスタイリッシュ。これが併存できているのが信じられない。 小さな型絵を繰り返し構成する手法をとる作家なので、今回の物量は効果的だった。

99位　ひとこまのはて　鞆の津ミュージアム

　弓指寛治さんのトークがあると知って足を運んだのだけれど（弓指さんは展示とは直接関係ない）、結果的に展示そのものがいちばん強く残った。 　『崖の上のポニョ』の舞台としても知られる鞆の浦にある鞆の津ミュージアムは、もともとアール・ブリュット系の展示を軸に始まった場所らしい。 　　写真でも伝わる通り、ここの作品は反復・蓄積・私的なルールがまず前に立ち、観客は全体像を掴む前に細部の反復へと自然に引き込まれていく。見ているうちに、それは単なる癖や奇抜さではなく、新しい世界につなぎかえるための手段だとわかってくる。結果として「作品の意味」よりも、他者の時間の使い方や記憶の仕方、世界の作り方の手触りを感じることができた。

100位　朝吹真理子・弓指寛治　こども教室　ふしぎな市場──ふしぎふっかつ　＠ゲンロン総会　（CITY HALL & GALLERY GOTANDA）

　株式会社ゲンロンのイベントで行われたこどもが不思議なものを作るワークショップ。こどもたちの作品は変幻自在で素敵だった。朝吹真理子と弓指寛治が最後に各作品へのコメントを添えるけれど、お子さんたちがあんまり聞いていないのも含めて最高だった。
現代アートって定義がなく、色々と定義が変わっていくもの。これってこどもの遊びと一緒だよね。

期待外れだった5展

作品の優劣というより 期待値や鑑賞状況との相性としての記録です。1位になるほど期待外れだった・合わなかった度が高かったです🙇‍♀️

1　時代のプリズム：日本で生まれた美術表現 1989-2010　国立新美術館

　なぜこれほど小沢剛を推すのか意味不明だった。最初のパネルや、ワタリウムでの「水の波紋」展のパネル展示は面白かった。ただ最初のパネルについては、2025年において外部から見た歴史観はこうなるんだ、面白い、という皮肉も少し混ぜた意味だけど。
　もう一つ言うと見せ方がどうかなと思う。特にヒト・シュタイエルやピエール・ユイグがある映像コーナーは、人がガンガン映像の前を通るし、映像同士が干渉しまくるし……。
色々言ってごめんなさい🙇‍♂️

2　小沢剛の讃岐七不思議　香川県立ミュージアム

　小沢剛のことばかり書いて恐縮だが、これもまた……。普通に所蔵品を見せてもらった方が魅力的だったのでは、と思ってしまう。フォローしておくと、第2会場の旧県民ホールの地下にある、旧高松城の石垣を見せたのは上手かったと思う。
えらそうに言ってごめんなさい🙇‍♀️

3　六本木クロッシング2025展：時間は過ぎ去る わたしたちは永遠　森美術館

　いい作品もあったのだけれど、結局、何かを言おうとして何も言えていない。どこかに連れて行ってくれそうで、どこにも行けない。かといって美的に圧倒されるかと言えば、「どこかで見たような手法を、少し崩して整えただけではないか」と感じてしまった。
　展示全体を繋ぐ物語が弱い、あるいは物語表現のパターンに既視感がありすぎると、ここまで冷めるとは。あえて使い古されたテーマを使うってのはわかるんだけどね。それが成立するのは難しくない？🙇

4　大竹伸朗展 網膜　丸亀市猪熊弦一郎現代美術館

　私が運営しているXのスペースなどでも話したが、大竹の魅力は「ゴミ」であることなんだよね。大竹の作品を美術品のように、あるいは資料館のように見せるのは本来難しいはずだ。だから、ハードルを高く設定して成功させるのは、相当に困難だと思うんだけどね。🙇‍♀️

5　岡山芸術交流2025　青豆の公園

　無料というのがいけなかったのか、岡山芸術交流・第2期の面影もない。 　テーマ設定もいいと思うし、面白い作品もあった。天神山文化センターのレイチェル・ローズやプレシャス・オコヨモンとかね。いいんだけどね。惜しかった。
　岡山芸術交流って、地域に根ざす芸術というふりをしつつ、実はそれは偽装。その実態は極めてグローバルな展示をしている。これは批判的に言っているのではなく、北川フラムのカウンターとしてはとても面白いと思う。これが上手く機能すれば面白くなると思うのだが。

最後に

　美術鑑賞とはChatGPTの壁打ちに似ているのではと思います。こちらから作品や展示全体にプロンプトを投げ、美しい文章や思いもかけない答えが返ってくるときの喜びは、何ものにも代えがたいものです。そういう意味では、1位のアートゾーン神楽岡の「梅津庸一 知られざる版画博覧会」は、集中しやすいユーザーインターフェース（アートゾーン神楽岡）を選び、洗練され、強度のある構文を返してきた手腕に脱帽しました。2位の高知県立美術館の「再考《少女と白鳥》 第1期 贋作を持つ美術館で贋作について考える」は、こちらが予期しなかった希望にあふれたロジックを返してきた点を評価できます。
　もっとも評価できなかったのは、国立新美術館の「時代のプリズム：日本で生まれた美術表現 1989-2010」で、いわばハルシネーションを起こした展示だったと思います。もちろんハルシネーションを起こしてもいいのですが、嘘であることが簡単に見破られてしまうのはまずいと思います。

　私は2026年も孤独な壁打ちをするために、朝日がまだ出ぬ瀬戸大橋を渡る列車「マリンライナー」に乗り込み、あるときはゆっくりと色鮮やかなフェリーに乗り、あるときは展示を1つでも多く見るために急いでのぞみ号に乗ることでしょう。

長々書きましたが、おつきあいありがとうございました。

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#アート #現代アート #美術展 #瀬戸内国際芸術祭 #梅津庸一 #弓指寛治 #田中功起