宿題への回答　－新説・「消えたくなるほど君が好きだ」楽曲紹介－

アイキャッチ（トップ画像）はPoo KumanoさんがYouTubeに投稿されている「消えたくなるほど君が好きだ / ラフ×ラフ「Yondanda」リリース記念イベント＠2部：2025.4.25 横浜ﾜｰﾙﾄﾞﾎﾟｰﾀｰｽﾞ」よりキャプチャさせていただいた、「消えたくなるほど君が好きだ」落ちサビのふーちゃんのソロです。

さすがに書かないわけにいかないので

「『Yondanda』リリース週に、何故唐突に『消え好き』（「消えたくなるほど君が好きだ」の略称）？」と事情がわからず困惑されている方には申し訳ない。詳細は割愛するが、とにかく今、過去一ふーちゃん（佐々木楓菜）が作詞作曲した曲の記事を書くモチベーションが高い状態になっているので、時期とかタイミングとか全部無視して「消えたくなるほど君が好きだ」の新解説記事を書かせていただく。

「来たな、詫び記事」と思った人達には制裁を加えます。特に妙な疑念を抱いている一部ラフラフnote勢。今回はガチなので。いや、いつもガチではあるのだが、何時にもまして大ガチなので。

とはいえとにかく無理矢理何か書こうとしているわけでは無い。４曲あるふーちゃん作詞作曲の曲から「消え好き」をチョイスしたのにはちゃんと理由がある。

1. 2026年3月29日の「mini TIF vol.116」のステージでの「消え好き」8人ver初披露を配信視聴してあることに気付いたから

2. 「AKO」の楽曲紹介記事の最後に、以下のように書いているから
   「Dメロ以降の譜面を全部起こした結果、現在の記事の『消え好きのコードがおしゃれすぎる』の不完全さに気付いてしまったので、需要があるかは定かではないが『超マニアック版・消え好きコード解説』もいずれやってみたい。」

3. コード進行を確認しているうちに、=LOVE「お姫様の作り方」からの半音探しの旅を思い出したから

4. 「明るい失恋ソング」からノイミー的悲恋感につながったから

この時点でふーなぐみ（ふーちゃんのファンネーム）しか着いてこれないであろうキーワードもいくつか存在しているが、それすらもはや気にしていない。伝わってほしい人が限定された記事なので、わからない人はある程度置いてきぼりになってもらう。

現時点でこの記事のボリュームがどの程度になるか、私にも予想できていない。しかし、過去の記事で「長くなるので割愛するが」としていたような部分は、全て割愛せずに書いていくつもりである。

そのため、１回で読み切ることは最初から想定していない。というか部分的には読み飛ばしてもらうことも必要になるので、今回はきちんと目次をつけさせてもらう。

目次を付けた時点でこの記事が何故長くなっているかがわかってしまうのだが、「突如始まるコード・スケール・ダイアトニック講座（初級編）」は「曲の解説として読む」ことより「実用書・参考書として活用してもらう」ことを想定した章なので、取り合えず飛ばしてから思い出したいときに読み返してもらえれば良いと思っている。

ちなみに「わたしファンファーレ」までにリリースされた全24曲の楽曲紹介をした際に書いた、初代「消え好き」楽曲紹介記事がこちらである。

投稿日時「2026年1月6日 04:05」に既に狂気を感じるかもしれないが、今回の記事は初代投稿から約３ヶ月半しか経っていない。
しかし、この約３ヶ月半の間には、3rdアニバーサリーライブ（以下3rdアニラ）参戦という忘れられない出来事があり、楽曲紹介記事24曲完走やラフラフとしての曲以外のメンバー個人のオリジナル曲３曲のカラオケ音源作成など、自分の中のラフラフの音楽的な面とそれに付随する物語をかなり濃密に「積み上げてきたんだ」なので、狂気の度合いはかなり上がっているのではないかと思う。

「単推しの危ない奴」のリミッターが外れるとどうなるか、付いてこれる人だけ付いてきてください。

考察不足を痛感した「消え好き８人ver」の歌割り

「消えたくなるほど君が好きだ」は 2025年12月17日リリースのアルバム「わたしファンファーレ」に収録され、アルバムリリース日に行われたタワーレコード新宿店でのリリースイベントで初披露された。
そこから2026年3月29日の「mini TIF vol.116」での8人ver披露の前まで、ずっと7人でパフォーマンスされていた曲である。現時点でのリリース音源も７人verで収録されている。理由は2025年10月1日から2026年3月9日の3rdアニラまで、もなみん（吉村萌南）が学業のため活動休止していたからだ。

3rdアニラではもなみん復帰直後に「何満開」「一期八会」の８人verが披露されたが、７人の期間にリリースされた「消えたくなるほど君が好きだ」「On Your Mark」も８人verへの変更が行われることになる。
他の曲も元々８人でパフォーマンスをしていたが、「わたしファンファーレ」リリース期間や3rdアニラまで７人verでのパフォーマンスが続いていたこともあり、他の曲についても８人バージョンに戻すためのレッスンがしばらく続いていたようだ。

そして前述の通り、「消えたくなるほど君が好きだ」８人verは2026年3月29日の「mini TIF vol.116」で初披露された。幸いこのライブは配信視聴が可能だったので、私は「消え好き」初披露に最大級の期待を持って配信に臨んでいた。理由は「もなみんが入った８人verの『消え好き』の歌割りは、どのように変化するかが見たい」だった。
そして初披露された8人verの「消え好き」を見た私は、一人で画面に向かって叫んでいた（よく画面に向かって声を出しているように見えるかもしれないが、その通りです）。

「消えたくなるほど君が好きだ」の7人verと8人verの歌割りを以下の画像で確認してほしい（かなり大きい画像になります）。

もなみんは「身長149.8cmのお友達」で定着。覚えている人のほうが少ないかもしれない「自己認識158cm」をシレっと入れてみた。

「一期八会」は、もなみんを含めた８人verの歌割りが決まっている状態から７人verに作り替えてパフォーマンスされていたそうなので、同じふーちゃん曲である「消え好き」も恐らく同じなのではないかと考えている。後追いで見てみると、7人ver時の「背の低い折り畳み傘」は、その時点で一番背の低い「156cm イチコロ♡」のめーな（日比野芽奈）が歌っていたのだが、それに気づいたのももなみんの歌割りに気付いてからの逆引きだった。
もちろん身長だけでなく歌割りのバランスや特性も考えた上だとも思うが、めーなが最初からもなみんの代打として歌っていたのだとすると、身長という要素は意外と大きく外れていないのではないかと思っている。それは後述の振り付けにも影響している。

「消え好き」の中でも特に印象的な歌詞である「背の低い折り畳み傘と一緒に消えていった」。曲中の主人公の女の子にとって恋敵とも呼べる「背の低い折り畳み傘」を歌うメンバーに実際に背の低いもなみんを充てるのは、歌詞のみを追うのではなくラフラフのメンバーが歌うことを考えればピンと来そうだが、気付いた後の後追いだからそう思うのであって、相変わらず鮮やかすぎる采配だと感じた。というか「これだけ８人verの歌割りが気になってたんだから先に気付けよ！ちょっと考えればわかっただろ！」と自分の考察不足を嘆いていた。

恐らくここは歌詞の中の「背の低い折り畳み傘」の側の女の子＝もなみんという意味ではなく、「背の低い折り畳み傘」を視覚的にも表現する意図があっての歌割りではないかと考えている。アイドル曲は、耳で聞き、歌詞を読み、目でパフォーマンスを見て味わうものである。音源だけでは伝わらない、メンバーが作る「傘」の下から登場する振り付けも魅力的な演出である。

はるるん（永松波留）とめーなの作った「傘」の下から出てくるもなみん。ちなみに７人ver時ははるるんとみくちゃん（藤崎未来）が「傘」を作っている。みくちゃんはめーなと身長が1cmしか違わない（157cm）ので（はるるんも159cmなので大して変わらない）、7人verの時の「傘」の高さは結構ギリギリに見えた。これがもなみんになると、めーなとはるるんで余裕でくぐらせることができている。最初からもなみんをくぐらせることを前提にした振り付けだったとしか思えないし、振りを維持しながら代打を立てるには、身長の高いメンバーは充てづらかったのではないだろうか。

これまで有志の方がアップした動画は極力使わないようにしてきたが、８人verの「消え好き」の動画が現時点で公式には無く、なりふり構っている場合では無いので禁を破ることにした。

この歌割りについては、本当は4月28日のトクポでふーちゃんに確認しようと思っていたのだが、解説記事を書くにあたって先に出してしまった。
ということで、あの「いいね」は「正解！」ということでよろしかったでしょうか、先生（書いている理由が理由なので、もはや隠す気すらない）。

歌割りに付随して、もし「消え好き」にMVが作られるなら、絶対にドラマ仕立てでストーリー性を持たせたものにしてほしいし、その際に主人公の女の子の候補は以下の４パターンが良いと思っている（私の勝手な妄想として）。

1. ８人が持ち回りで１人を演じる（歌割りごとに主人公が切り替わるイメージ）

2. 「こんな私でも好きでいていいですか」を主人公のセリフのように「歌詞にカギかっこを付けてくれた」みくちゃん（藤崎未来）。出演ドラマもはじまったし、MV内のドラマでも自然な演技を見せてくれるのではないだろうか。

3. 「お願い、気付かないで」のありさ（齋藤有紗）。どんだけ好きなんだと言われるかもしれないけど、ここのありさだけはちょっと別格。舞台経験もあり、演技派なのでやりきってくれるのではないだろうか。

4. ふーちゃんが作詞作曲した曲なのでふーちゃん。ただしこれは本人が納得しないのではないかと思っている。前に出るとか出ないとかだけでなく、歌割りについても完全にプロデューサー目線で見ているふーちゃんが、自分の作った曲だからといってMVの主人公を受けるとはあまり思えない。しかし、自身の歌詞の世界観を一番表現できるのは、やっぱりふーちゃんだと思う。

一押しは圧倒的に①である。何故なら、この曲は「コロコロ変わる女の子の気持ち」というテーマを持っているからである。メンバーが入れ替わり立ち替わりすることで、メンバー毎に見せる表情や心情の変化が「コロコロ変わる女の子の気持ち」とリンクするのではないかと妄想している。
その中で一瞬だけ、主人公ではなく「背の低い折り畳み傘」として登場するなら、絶対にもなみん以外にありえないだろう。そう考えた場合でも、この歌割りはやっぱりもなみん以外ありえない。

前回のはるるんの生誕記事の中で、「（譜面に書き起こした）ふーちゃん（の曲）は、『テーマ』と『論理性』の印象が際立っている」と書いたのだが、その一旦が垣間見える、視覚効果まで考えたと思われる歌割りを紹介した。

次にコード進行について解説する。冒頭に書いた「『消え好きのコードがおしゃれすぎる』の不完全さ」を解消するための章なのだが、その前にこの記事最大の「狂気」を発動させることにする。

突如始まるコード・スケール・ダイアトニック講座（初級編）

「消え好き」の音の印象が全体的に「おしゃれ」で「エモい」理由は、Sergiさんがこちらの記事で書いている「『A♭メジャー（変イ長調）』特有の調性と並行調の『Fマイナー（ヘ短調）』的な要素が混じっている」という分析がほぼ完璧な答えだと感じている。

私なんぞ足元にも及ばないくらい音楽への深い造詣と知識の豊富さを感じる考察には、ただただ驚嘆するばかりである。「ついにホンモノの人が出てきた」と感じて、付け焼刃で解説している私の出番はもう無いと思っていたのだが、今回はある意味全く逆のアプローチをしてみようと思う。

すなわち、「初心者にもわかるようなコード・スケール・ダイアトニックの説明と、それを踏まえた『消え好き』コード解説」をしていくことにする。

ここまで来るともはや音楽の授業になってくるのだが、私がこれまでの記事であまり積極的にコードに触れず、主にメロディーのリズムの取り方の特徴の話に終始してきたのは、「コードとかダイアトニックの話は、専門的すぎて読んでいる人の興味が削がれるかもしれないし、譜面に起こしたとはいえ私が譜面に書いているコードはほぼ勘なので、嘘を教えることになってもいけない」と思っていたからである。

ただし、今回の記事が想定している主な読者は、これくらいの話までなら興味を持っていただけるのではないかと思い、あえてコード・スケール・ダイアトニックの基礎的な話について触れて、それに基づく解説をしていきたいと考えた。もし嘘を教えているようならコメント欄等でご指摘の程よろしくお願いします、Sergiさん（既に名指し）。また、ラフり隊（ラフラフのファンネーム）には音楽に造詣が深い方が多数いらっしゃるので（私の認識している中だとろうげいざーさんや脂はむさんなど）、「何適当な事言ってんだ、俺が教えてやる」という方がもしいらしたらお願いいたします（ろげさんとは主に「水どう（水曜どうでしょう）」の藩士（水どうのファンネーム）としてしか絡んでいないのだが(笑)）。

そしてこの章を書ききった結果、常軌を逸する分量になってしまったため、純粋に「消え好き」楽曲解説のみを読みたい場合は、目次から次章（「２つの表情×３つのパターンを魅せるCパート（サビ）のコード」）まで飛ばして読むことをお勧めする。さすがにやりすぎたと反省しているが、自身の知識の棚卸しにもなったので後悔は無い。

【コードの基礎①メジャーコードとマイナーコード】

そもそも「コード」とは「和音」のことである。最も有名なのが「ド・ミ・ソ」で構成されるCメジャーだろう。まずコードの最初の文字である「C」とか「A」は「ド」や「ラ」と同じ意味である。和音＝コードの一番下の音＝ルート（根音）がコードを示す文字になる。例えば「ド・ミ・ソ」のルートはドなのでC、「ファ・ラ・ド」のルートはファなのでFとなる。

「ドレミファソラシド」という音の呼び方はイタリア語に語源がある。これがアルファベット（厳密にはドイツ語発祥）の記法だと「CDEFGABC」になる。元々音階のはじめはド（C）からではなくラ（A）からだったため、ドレミで表すと表記がズレる。最後に、日本語表記にした場合「ハニホヘトイロハ」になる。いわゆる「いろはにほへと」なのだが、これは「ABCDEFG」を「いろはにほへと」にして、上記の通り「CDEFGAB」の順番に並び替えたものである。日本語表記はこの後のスケールの話で登場する。

私は弦楽器が弾けないので、音は全て鍵盤と五線で表現してしまうのだが、コード解説の場合鍵盤を用いた方が視覚的な理解がしやすいと考えている。

メジャーコードは、いわゆる「明るい・楽しい音」である。Cメジャーコードの構造は、
・ルートであるC（ド）
・ルートから長３度（半音4つ分）=E（ミ）
・ルートから完全５度（半音7つ分）=G（ソ）
で構成される。ここで登場するEは「第３音」、Gは「第５音」と表現される。

一方でマイナーコードは、「悲しい・暗い音」と感じられる。Cマイナーコードの構造は、
・ルートであるC（ド）
・ルートから短３度（半音3つ分）=E♭（ミ♭）
・ルートから完全５度（半音7つ分）=G（ソ）
で構成される。メジャーコードと同様にE♭が「第３音」、Gが「第５音」になる。

何故「第２音」「第３音」でなく「第３音」「第５音」かと言うと、紹介しているメジャーコード・マイナーコードがコードにおけるもっとも基本的な形であり、その構成音がルートから３度、５度と離れていることから「第３音」「第５音」と呼ぶようになった。このルールは他のコードでも同様に適用される。

CメジャーもCマイナーもルートから第５音までの間隔は「完全５度」である。完全５度は安定した響きを持っており、曲作りにおいて基礎となる部分を担うことが多いコードになる。

今回は説明をわかりやすくするためにCをルートとして説明しているが、ルートがD（レ）の場合でも理屈は一緒である。
・Dメジャー：D（レ）・F#（ファ#）・A（ラ）
・Dマイナー：D（レ）・F（ファ）・A（ラ）
であり、同じ鍵盤の間隔（３度・５度）でルートをずらせば良い。

ルートが黒鍵にある場合でも同じで、例えばC#であれば、
・C#メジャー：C#（ド#）・F（ファ）・G#（ソ#）
・C#マイナー：C#（ド#）・M（ミ）・G#（ソ#）
になる。

ちなみに「度」というのは音と音の距離（音程）である。
例えばC（ド）からD（レ）は２度、C（ド）からF（ファ）は４度となる。ピアノの鍵盤で音階を見ると、間に黒鍵を挟んだり挟まなかったりするため（E（ミ）とF（ファ）の間、B（シ）とC（ド）の間には黒鍵が無い）、例えばC（ド）からE（ミ）は長３度、C（ド）からE♭（ミ♭）は短３度と表現する。
１,・４・ ５・ ８度は「完全系（長短が無い）」、２・３・６・７度は「長短系（長短がある）」で表現される。完全系の音程に#や♭が付いて半音ずれる場合はさらに呼び名が変わり、C（ド）からG#（ソ#）は増５度、C（ド）からG♭（ソ♭）は減５度と呼ぶ。

これ以降音階名のカッコ書きは逆に読みにくいので省略するが、実はこれがコードやスケールの理解を混乱させる原因の一つでもある。
単純に「C」と書くと、「ド」１音を指しているのか、「Cメジャーコード」のことか「Cメジャースケール（ハ長調）」のことか判別がつきにくくなる。前後の文脈などから理解する必要があるのだが、慣れるまではどれの話をしているのかわかりづらく、理解が追い付かなくなってしまう場合がある。
コードの場合は「Cメジャー」、スケールの場合「Cメジャースケール（ハ長調）」、単に「C」と書いた場合は単音のドを表すように注意しながら書くようにするが、時々流してしまってコードの場合もそのままCとだけ書いてしまう箇所があるかもしれない。自分の不注意を棚に上げるようで申し訳ないが、これも一つの訓練だと思ってもらいたい（誰に謝っているのやら）。

【コードの基礎②ディミニッシュコードとオーギュメントコード】

３つの音で構成されるコードにはメジャーとマイナーの他にオーギュメントとディミニッシュがある。このように３つの音で構成されるコードのことを「トライアド（Triad）」と呼ぶ。

Cオーギュメント（Caug）は、Cメジャーの第５音を半音上げて、増5度（半音8個分）=G#にする。音には浮遊感があり、幻想的な雰囲気になる。

Cディミニッシュ（Cdim）は、Cマイナーの第５音を半音下げて、短5度（半音6個分）=G♭にする。不安定で緊張感のある音になり、落ち着かないので次の和音に移りたくなるような響きになる。

オーギュメントやディミニッシュはどちらも安定したコードではないため使いどころが難しいが、メジャーコードやマイナーコードだけでは作り出せない複雑な音を表現することができる。クラシック音楽よりジャズなどで用いられることが多いコードだったが、現在のポップスでは曲中のアクセントとして用いられている。

この４種類の他に、第３音を完全４度（半音5個分）にしたsus4や第３音を長２度（半音2個分）にしたsus2などもあるが、今回は初級編なのでトライアドの説明はこの４つまでとする。

【コードの基礎③４和音のセブンスコード】

ここまで説明したメジャー・マイナー・オーギュメント・ディミニッシュは３つの音で構成されるトライアドだったが、ここからはさらに４つ目の音を足していく。
４和音で構成されたコードでよく使われるのが「セブンスコード」で、トライアドと比べてより複雑な響きになり、緊張感やお洒落さが加わる。純粋なメジャーコード・マイナーコードと比べるとやや濁りが多い音になるので、多用しすぎると不安定な印象を与えることもあるが、使い方によっては曲の奥行きを感じさせる需要なコードになっている。
セブンスコードの種類はかなり多いのだが、今回は初級編としてポップスなどで使用される頻度が高い３つのセブンスコードを紹介する。

CセブンスはCメジャーにルート（C）から短７度（半音10個分）=B♭を第７音として足したコードである（先ほどの「第３音」「第５音」と同じく、セブンスコードの４音目は「第７音」と呼ぶ）。メジャーコードが本来持つ明るい雰囲気から一転して強い緊張感を感じさせる音になり、先程のディミニッシュのように次の和音に移りたくなる雰囲気がある。「次の和音に移りたくなる」というのは、次のコードへの橋渡しをする役目として効果的であるとも言える。また、ワイルドで荒々しい雰囲気も持っている。

CマイナーセブンスはCマイナーにルート（C）から短７度（半音10個分）=B♭を第７音として足したコードである。マイナーコードが持つ悲しさや暗さをより洗練した都会的でクールな印象に変え、落ち着いた雰囲気を作り出す。R&Bやシティポップ、ジャズなどのような大人な印象を作り出す響きを持っている。

最後にCメジャーセブンスは、Cメジャーにルート（C）から長７度（半音11個分）=Bを第７音として足したコードである。明るさが強いメジャーコードに少しだけ切なさを足して、上品な雰囲気を演出してくれる。ジャズやボサノヴァなどでよく使われ、洗練された響きを作り出す。

セブンスコードは上記以外にも、マイナーコードの第５音を半音下げてさらにドラマチックな寂しさを演出するCm7(♭5）（Cマイナーセブンス・フラットファイブ）など、様々なバリエーションがあるが、これらは基本形の短７度の第７音を基準とした応用なので、出てきたときに調べるくらいで良いと思う。

尚、コードには４和音だけではなく５和音であるナインスコードや６和音であるイレブンスコードや逆に２和音で構成されたフィフスコードがあったり、同じ４和音でも４音目が長6度のシックスコードなどもあるが、一般的なポップスにおいての登場機会が少ないので、初級編では割愛する。興味があれば調べて見て欲しい。

【コードの基礎④もう一つの４和音、アドナインスコード】

セブンスコード以外の４和音のコードとしてアドナインスコードを紹介しておく。
アドナインスコードは簡単に言うとセブンス（第７音）を飛ばしてナインス（第９音）を足したコードになる。９度というとオクターブ（８度）を超える音の間隔になるため、実際には８＋１ということでルートから２度の音が使われることが多い。

CアドナインスはCメジャーにルートから長９度、実際には上記の通り長２度の音を加えた４和音である。セブンスコードのような緊張感のない素直な響きは、透明感や瑞々しさを感じさせるキラキラとした、それでいて厚みのある雰囲気を作り出す。ギターのアルペジオやピアノのバッキング、イントロやアウトロなどで使うと曲の雰囲気を盛り上げる効果が期待できる。

【スケール（音階）について】

スケールを最も簡単に説明すると「ドレミファソラシド」のような音階のことである。コードが一つの和音で明るさや寂しさを表現していたのに対して、スケールは曲全体の雰囲気や曲調を決めることになる。
Sergiさんの記事では「調性」という言葉が多く使われているが、調性（キー／Tonality）とスケールは近い関係性にありつつ、少しだけニュアンスが異なる。調性を理解するためにはまずはスケールの理解が必要になるので、ここではまずスケールについて学んでいく。

「ドレミファソラシド」はC（ド）からはじまる明るい音階である。これを「Cメジャースケール」、日本語では「ハ長調」という。ここで前述の音階を示す「C＝ハ」が登場する。メジャースケールのルールは、トニック（主音）であるCから順に全音・全音・半音・全音・全音・全音・半音と音階が上がっていく。
ちなみに「全音」は白鍵・黒鍵問わず鍵盤２つ分離れた音、「半音」は白鍵・黒鍵問わず鍵盤１つ分離れた音のことである。シャープやフラットなどの調号が無いCメジャースケールであっても、EとF、BとCは半音の関係になっている。

「消えたくなるほど君が好きだ」はA♭メジャースケールの曲になっている。A♭をトニック（主音）として上記のルールを適用すると、A♭、B♭、C、D♭、E♭、F、G、A♭がA♭メジャースケールにおける「ドレミファソラシド」になる。
「ド」がA♭で、「レ」がB♭で、と説明するとこんがらがってしまうので、スケールが決まったら画像にあるように音を番号で呼ぶ場合がある。この番号は、後のダイアトニックを理解する上でも重要になる。

ちなみに、譜面に起こす場合、楽譜の最初にシャープ（#）やフラット（♭）などの調号でスケールを明記しておく。調号を見ればこの曲のスケールがわかるようになっている。A♭メジャースケールの場合、B、E、A、Dがフラットになる。つまりA♭メジャーの譜面においては、B、E、A、Dは特別な指定（♮で戻す等）が無い限り、自動的に全てフラット（半音下げる）で演奏される。スケールを表すフラットを付けるルールはB→E→A→D→G→C→Fの順番になっている。シャープの場合は逆にF→C→G→D→A→E→Bの順である。

メジャースケールの場合、B、E、A、DがフラットになるのはA♭メジャースケールだが、コードと同様にスケールにもマイナースケール（いわゆる短調）があり、同じB、E、A、DがフラットになるマイナースケールとしてFマイナースケール（へ短調）がある。このように使用する音が同じメジャースケールとマイナースケールのことを「並行調」と呼ぶ。

ちなみにマイナースケールには
・ナチュラル・マイナースケール
・ハーモニック・マイナースケール
・メロディック・マイナースケール
の3種類があり、それぞれ少しずつ構成音が違うが、並行調を含む基本的な考え方に基づいたナチュラル・マイナースケール（通称エオリアンモード）が一般的である。単純に「マイナースケール」と言うと、ナチュラル・マイナースケールを指していることが多い。
またいちいち「Fマイナースケール」と呼ばず、「（スケールは）Fm」とだけ呼ぶ場合もあるし「ヘ短調」と呼ぶ場合もある。全て同じことを指しているのだが、これがコードやスケールの理解をわかりにくくしている部分でもあると個人的に思っている。だが、私がどう思ったところで、一般的にはこういうものなので、そのまま覚えるしかない。

例としてA♭メジャースケールの平行調であるFナチュラルマイナースケールの音階を示している。トニック（主音）であるFから順に全音・半音・全音・全音・半音・全音・全音と音階が上がっていくのがナチュラルマイナースケールのルールである。

これらのスケールのルールは「サークル・オブ・フィフス」と呼ばれる形で整理されており、以下の記事に詳しく記載されているので、そちらを参考にしてもらいたい。

ちなみに、「曲中に転調する」というのは、スケールが曲中で変わることを指す。わかりやすい転調の例として、同じくふーちゃん作詞作曲の「君ときゅんと♡」の落ちサビ→ラスサビがあげられる。

落ちサビラスト（１段目）とラスサビ頭（２段目）。１段目の楽譜の先頭には調号（#や♭）は無いが、転調後の２段目の楽譜の先頭にはFとCに#が付いている。
落ちサビまでCメジャースケール（ハ長調）で進行してきた曲が、ラスサビでDメジャースケール（二長調）に転調している。トニックはCからDに変わっており、曲全体のキーが１音上がったことになる。

【コードとスケールを踏まえたダイアトニックの一般的な考え方】

ようやく主題であるダイアトニックの話までたどり着いた。ダイアトニックとは、簡単に言うと「スケールの音階をルートとしたコードのルール」である。

「消えたくなるほど君が好きだ」のスケールであるA♭メジャーを例にすると、ルートがA♭であるⅠは３和音ならA♭メジャー、４和音ならA♭maj7となる。そこから譜面上音符間を同じ間隔で保ちながら音階を上げていくのがダイアトニックの仕組みである。ⅡのB♭は３和音だとB♭mになるので、番号もⅡmと表記している。

ダイアトニックコードは、曲のメロディーに対してアコースティックギターによるコードでの伴奏や各種楽器によるオケ（オーケストラの略、転じて伴奏）を付ける際に、メロディーの中の基準となる音（トニック）に対してこのスケールにおける最適なコードとして提示されているものである。

ふーちゃんと遠藤さんの曲作りにおいても、遠藤さんは最初ふーちゃんのアカペラの音源の音程を調整してから、メロディに対してコードを当てはめていく作業から開始している。その際にA♭メジャーの曲の場合に基準となるコードとしてダイアトニックを中心にコードを選びながら、曲の展開や雰囲気によってダイアトニック外のコードを当てはめることで、音楽的な裏切りや劇的な展開を演出している。
最終的に出来上がったオケには、コードそのものがそのまま入っている部分や、アルペジオ（ギターで言うと一弦ずつ音を鳴らす奏法）的にコードを分解しながら使っている部分、部分的なニュアンスだけ残している部分など、様々な形にアレンジされているが、その基礎となっているコードの考え方にはダイアトニックの理論が確実に使われていると考えられる。

「私の譜面のコードはほぼ勘」というのは、オケはコードがそのままの状態で入っているわけではないことに加え、「消えたくなるほど君が好きだ」にはインストゥルメンタル音源が無いので純粋なオケの音だけを聞いて判別することが難しいこともある。
一応何回も繰り返し聞いてニュアンスを確認しているのだが、最終的には「ギターの弾き語りをしようとしたとき、このコードだったらしっくりきそうだな」くらいの感覚で書いている節もあるし、その結果、初回の記事とこの後出てくるこの記事の譜面でコードの解釈が変わっている部分もある。また、小節内で複数回コードが変わる箇所などを全て網羅できているわけではないため、あくまで「こんな感じ」と思ってもらえればと思っている。
以前のふーちゃんの個人配信で「消え好き歌詞・歌割り解説」があった時にも「インスト音源が欲しい！」という声が多数あったのだが、インスト音源をかなり切望している内の１人であると思っていただければ。

コードとスケールがわかれば、ダイアトニックの理屈はそう難しいものではないが、実際に曲に落とし込んでいく中ではさらに「解決」と呼ばれるフレーズ単位での着地の考え方も入ってくる。それについては次章の「消え好き」コード解説内で実際の曲を見ながら説明していきたい。

２つの表情×３つのパターンを魅せるCパート（サビ）のコード

まず、前章の「コード・スケール・ダイアトニック講座」を全く読み飛ばすことなくここに辿り着いた人がいたとしたら、少し頭を冷やしてきた方が良いと思う。
何せこの章を書くだけで平日深夜３時間×２日と土曜半日を使った音楽理論オンリーの超絶ロングパートである。作曲活動に興味がある人であれば、こんな素人の理論解説ではなくきちんとした教本で勉強したほうが良いし（私のは拾い食いを重ねた独学なので、理論的な正しさは保証できない）、ラフラフと「消え好き」が好きでこの曲の事をもっと理解したくて読んだのだとしたら、もう自分で解説記事を書いたほうが良いレベルだと思う。
それ以外の理由で読んでいる人がもしいたら、一度病院で診てもらうことをお勧めする。書いた後から自分でも「私は何に情熱をぶつけているんだろう、これ『消え好き』の紹介記事だよな…」と少し怖くなってしまったのだから（まずはお前が病院で診てもらった方が良い）。
きっと4月25日のリリイベのベイスターズユニの写真がXに大量に上がっているのを見て（&リポストして&画像保存して）「あー！！！リリイベ行きてー！！！！」と遠く広島で悶絶していたからに違いない。

あまりに文章量が多すぎてnoteが耐えてくれるか少し不安も感じはじめているが（ここまでで12,000文字を超えている）、ここからようやく「消え好きコード解説」をはじめていく。
一応このパートの理解を深めていただくためにもダイアトニックの話まで無理矢理ねじ込んだので、「読み飛ばしても構わない」とした音楽理論解説も全く意味がないわけではない。

取り上げたいのはCパート、いわゆるサビのコードである。純粋なCパートとは音階の若干異なる落ちサビ（本当は君の隣で笑っていたい～）も含めると、曲中で同じようなメロディのモチーフは計４回出てくるのだが（1C、2C、落ちサビ、ラスサビ）、その内３回でコードのパターンが異なっている。
またCパートは同じ音階のメロディーが２回出てくるのだが（1Aであれば「消えたくなるほど君のことが好きです～」が１回し目、「消えたくなるほど君が愛おしいよ～」が２回し目）、この２つもコードの使い方が異なっている。

まずは1Cを用いて、１回し目と２回し目のコードの違いを解説していく。

まず１回し目だが、「消えたくなるほど 君のことが好きです」はA♭における4-5-3-6進行と呼ばれる王道パターンの解決を見せている。初回記事では２、３小節目をDm-D♭と記載していたが、改めて確認してⅣ（D♭）-Ⅴ（E♭）に修正している。
「4-5-3-6」というのは、先程のダイアトニックにおけるⅣ（D♭）-Ⅴ（E♭）-Ⅲ（Cm）-Ⅵ（Fm）のことで、ポップスにおいてよく使われる王道の進行パターンである。
「解決」というのは、曲全体ではなくまとまったフレーズの中で、不安定な状態（緊張）から安定した状態（緩和）に向かうことで一種の区切りや次に繋がる継続感などを出すことであり、「解決」に向かうコードの推移を「進行」と呼ぶ。進行にはダイアトニックの各度数が持つ役割が影響する。

ダイアトニックにおける各度数の主な役割。必ず毎回このような効果を生むわけではないが、基本的な考え方として理解しておいて損はない（作曲する機会がある人にとっては、だが）。

王道進行はまずやや安定感のあるⅣからはじまり、音が上がりながら不安定で緊張感を与えるⅤへ、次にそのままⅠで解決したくなるところを近い音を持つⅢに進み、最後にⅢからⅥに４度上がることで自然で力強い解決感を生む（この４度の上昇を「強進行」と呼ぶ）。しかしⅥはマイナーコードであり、Ⅰのような明るい解決ではなく、切なさの含みを持たせた解決になるため、王道進行は切なさを感じさせる印象的なフレーズに使われることが多い。
「消え好き」1Cの１回し目はいわゆるサビのど頭であり、「この曲は切ない曲なんだ」ということを強調しながら、進行としては違和感なくスッと入ってくる爽やかさもある。ちなみに1Cの最初のソロの歌割りはゆいゆい（高梨結）なのだが、ゆいゆいの爽やかさの中にやや緊張感のある高音は、爽やかだけど切ないコード進行に続くメロディーにピッタリ合っていると感じている（ゆいゆい高音ガチ勢）。

そして２回し目なのだが、ここのコード進行がかなり特徴的だ。イントロにも使われているコード進行なのだが、DdimのルートであるDはA♭メジャースケールのダイアトニックには無い音である（A♭メジャーではⅣはD♭）。不安定で緊張感のある音だが、次の音への導入を強く意識させる。
次のD♭m7はA♭メジャースケールにおけるサブドミナント（Ⅳ）にあたるルート（D♭）なのだが、A♭メジャースケールのダイアトニックであるメジャーコードではなく、マイナーセブンスコードになっている。D♭をマイナーコードで使うのは、同一トニックのマイナースケールであるA♭マイナースケールであり、同主音短調からコードを借りることを「モーダルインターチェンジ」と呼ぶ。サブドミナント特有の継続感がありつつ、マイナーセブンスという複雑で不安定な響きが切なさを増幅する。
次のCm7はA♭メジャースケールのトニックの代理（Ⅲ）で、D→D♭→Cと下がってきたルートの一旦の解決のように感じながら、そのまま次のコードに移行していく。
そして最後に待っているのがBdim。不安定な解決だが、次のB♭m7に繋ぐ役割であると同時に、ルートのGを省略したG7(b9)と同系音であり、強い緊張感を生んでいる。
そして各コードのルートを見ていくと、D→D♭→C→Bと半音ずつ下降していることがわかる。これをクロマチック・ライン（半音階進行）と呼び、音を滑らかにつなぎながら緊張感と推進力、洗練された雰囲気をもたらしながら、１回し目には無かったDdimやD♭m7という「裏切りのコード」や、「どこまで落ちていくのかという不安と期待」によって、切なさをこれでもかと強調する「中毒性のあるセンチメンタルな響き」を演出していると感じている。これこそが「『消え好き』のお洒落すぎるコード進行」の真骨頂だと感じている。イントロにも使われていることから、かなり重要度の高いパートであることが想像できる。

上記が1C／2Cに共通するCパートのコードの１パターン目である。

２パターン目は落ちサビ（「本当は君の隣で笑っていたい～」）である。最大の特徴は「１回し目の最初のコードの変化」である。

1C／2Cとサブドミナント（Ⅳ）で始まっていた進行が、トニックの代理（Ⅵ）に変わっている。ただ、このFmは、A♭メジャースケールにおけるⅥというよりは、並行調であるFナチュラルマイナースケールのⅠを強く感じさせる音になっている（並行調については【スケール（音階）について】を参照）。

これまで明るいメジャーコードではじまっていたサビがマイナーコードではじまることで、意識を内側に沈み込ませるような孤独で静かな響きになっている。「本当は君の～」の歌詞の通り、「憂いを帯びた独白（モノローグ）」を強く感じさせる音になっていると感じる。
またⅣ（D♭）では第５音として浮遊感のある響きを演出していたA♭が、Ⅵ（Fm）だとマイナー調を決定づける第３音になっており、より重く深く響いている。

歌詞の内容も含めて落ちサビ全体が主人公の孤独な本音にスポットライトを当てた内容になっており（ふーちゃんによる歌詞・歌割解説でも「ついに主人公の本音が出てきた」と言っていたパート）、D♭→Fmという１つのコードの変化だけで「祈り」や「後悔」を感じさせて切なさが爆発しそうな音色になる、非常に印象的なコード進行になっていると感じる。

そして最後の３パターン目はラスサビである。

１回し目が1C/2Cと近い形に戻りながら、３小節目がⅤ（E♭）ではなくD♭dimになっている。王道進行の1C/2Cと違い、ラスサビのD♭→D♭dim→Cm7という進行は「膨らみ」や「歪み」が強調された非常に緊張感の高い響きになっている。
これまで「君のことが好きです」と言っていた主人公が、最後に「君のことが好きだ」と気持ちを爆発させる場面で、一瞬視界が歪むような展開は「狂おしいほどの切実さ」を感じさせ、歌詞と完全にリンクした見事な表現になっていると感じる。
D♭、D♭dim、Cm7の構成音（Cm7の第７音を除く）はそれぞれ半音ずつ降りて滑り込んでおり、歪みの中に滑らかさもありつつ「泣き」の音階を作り出している。

落ちサビでは最初Fmで寂し気な雰囲気から入ったのに対して、ラスサビはD♭という明るいメジャーコードに回帰したかと思いきや、次に現れるD♭dimによって「翳り」が付加されて、「喜びと切なさが入り混じった複雑な感情」を感じさせている。

D♭dimには「好き」という言葉に隠された「不安」「痛み」「狂おしさ」が内包されており、エモの極致とも言えるコードワークによって「複雑な女の子の心模様」が彩り豊かに描かれていると感じる。

オケのコードワークには編曲者、というか共同作業者であり曲作りの師匠である遠藤ナオキさんの手腕がかなり入っていることは、YouTubeで公開されている楽曲制作の模様からも見て取れるのだが、サビの１回し目の進行をたった１箇所変えることで、歌詞の世界観とリンクした激エモ進行を２度に渡って出現させたことは、まさに「魔法使い」と呼ぶに相応しいと感じた。
これで子煩悩で作曲者の意図を第一に考える人格者なのだから、世の中不公平にできていると思わざるを得ない。もうちょっとこだわりが強すぎる偏屈な芸術家気質であってほしかった。そういう面も持ち合わせていそうなことは、所属事務所であるHOVERBOARDのYouTubeチャンネルの動画から伝わってくる部分も無くはないけど、基本が聖人で天才すぎるので。

遠藤さんばかり絶賛しているが、「消え好き」の制作の模様はラフラフYouTubeでもほとんど取り上げられていない（ありさのサックスを入れるか入れないかの話がほとんど）ので、ふーちゃんとどのような摺り合わせがあってこういうコード進行になったかも非常に興味があるところである。
「ふーちゃんと話してみたいことがたくさんある」と度々言ったり書いたりしているのだが、それはこういった曲作りの過程やメロディーメイクの方法などを聞いてみたいという願望が大半を占めている。ただ、内容的に１つのテーマの絞ったとしてもトクポや特典会の時間内で聞けるボリュームの話ではないので、叶わぬ夢としてこうして妄想することを繰り返したり、たまに個人配信などで話してくれる内容を楽しみにしているのである。

「半音探しの旅」とメロディメイクへの憧れ

コード解説で登場した「サビの２回し目のクロマチック・ライン」や「落ちサビのD♭-D♭dim-Cm7の半音下降」が、今回「『消え好き』をチョイスした理由」の３つ目を理由に繋がっている。この辺からついてこれない人が出てきてもおかしくないと思っている（だいぶ前からかもしれないけど）。

「半音だいすき人間」さんが聞いていた=LOVE「お姫様の作り方」の半音（F#メジャースケールのメロディで使われるA）を使った上り下りのフレーズのお洒落な感じがどこかで聞いたことある気がしすぎて、渋谷系のフリッパーズギターやピチカートファイブ、カヒミ・カリィの曲を聞き返したり、Purfumeの初期曲に近いものがあった気がして探したりと、マニアックすぎて誰もついてこれなった「半音探しの旅」（おずまる堂さんとはちがらさんだけ反応してくれた）。

「消え好き」のメロディ（歌唱部にあたる主旋律。楽譜で言うとト音記号の側に書いている音）において、スケール上に無い調号（#や♭）による半音は１箇所だけ、Dメロ「ひと目でわかったら」のE♮（本来♭のところ♮で直前と直後のFと半音になっている）があるのだが、半音の動きとしてはその部分より先述の半音を意識したコード進行に「お姫様の作り方」の「涙も流す」にも感じた「中毒性のあるセンチメンタルな響き」を感じてしまったのだった。

ここまでスケールやダイアトニックについてあれこれ言っているが、私はメロディメイクが絶望的にできないので曲を作ることを随分前に諦めており、その面においてふーちゃんは「推し」である以上に「憧れの存在」なのである。
HOVERBOARDチャンネルの動画でAkiraSunsetさん（「100億点」作曲者で、遠藤ナオキ、野口大志、ふるっぺ、浦島健太らラフラフ楽曲の制作陣が所属するHOVERBOARDの代表）もふーちゃんの曲について「メロディがめちゃくちゃ良い！」と言っており、メロディメイクは本当に天性の才能だと思う。コードやダイアトニックは理論や理屈なので勉強すればどうにかなるが、メロディは感性の問題としか言いようが無いと思っている。

「消え好き」以外の他の３曲も含めて、既に公開している楽曲紹介記事において、メロディラインについては拍やリズムの取り方（アウフタクト、裏拍、リズムモチーフ、八分音符の連打等）以外にはほぼ触れていないし、今回の記事でもほぼノータッチである。コードについてちゃんと言語化したのも今回がはじめてくらいで（「消え好き」初版記事でコードに若干触れたが、あの頃は24曲全曲紹介の最中ということもあり、かなり不完全な形だった）、「音楽的な解説」をきちんとできていたという認識はほとんどなかった。

例えば、草野球しかやったことがないオジサンが、山本由伸の投球フォームや鈴木誠也のバッティングに口出しすると考えたらどうだろうか。恐れ多くて身の程をわきまえろと思ってしまうだろう。ふーちゃんの曲作り、特にメロディメイクに対する私の気持ちと言うのは、それとほぼ同じである。ふーちゃんの場合、作詞作曲だけでなく、パフォーマーであり、歌い手であり、何よりアイドルなのだから、私にとってはさながら大谷翔平のような万能の天才のような人だ（例えが野球に寄っているのは、ベイユニ姿がかわいすぎたせいです。ちなみに私は広島在住のカープファンなので、次は是非カープ女子御用達の真っ赤なビジターユニフォームで、何卒）。

そんな完璧アイドル（こんな言い方をしたら絶対本人は謙遜するとわかっていても、私の中ではそうなのだからどうしようもない）のふーちゃんができないことがあったら教えて欲しいとすら思っていたところ、曲作りについて「ダイアトニックとか（も勉強したい）」的な話がチラッと聞こえた気がしたので、今回の記事にコード・スケール・ダイアトニック講座とかいう狂気の沙汰を入れてみたのだった。

「明るい失恋ソング」とノイミー的悲恋観、そして蟹座の共感性

これも発信されている場所の関係で詳細は伏せるが、「消え好き」のイメージモチーフとして≠ME（略称ノイミー）「まほろばアスタリスク」の名前が挙げられていた。曲調やメロディーというより「明るい失恋ソング」というカテゴリ的なイメージのようだが、「消え好き」からは「ノイミー的悲恋観」の香りがすると感じている。

以前別の記事でも書いたが、私のアイドル遍歴のメインルートはAKB/SKE（2010年代前半頃）→WACK（BiS2期/初期BiSH/GANG PARADE等）→AKB（2021年以降）→ラフラフ、地下楽曲派アイドル（ほぼ曲のみ）という道筋を通っており、メジャー（48系）と楽曲派インディーの両極端な道を辿ってきた。その意味では現在ラフラフを全力で推しているのは異色中の異色と言えるかもしれない。その中で現在のアイドル界の本流ともいえる坂道系、イコノイジョイ、KAWAII.LABは話題としては知っているけどあまり触れてこなかったジャンルだった。

一方で、「推しが好きなものにはとりあえず一旦興味が湧く」というアイドルオタク共通の性質も持ち合わせており、歴代で言うとあみな（元AKB48・佐藤亜美菜）が好きだったBaseBallBearにドはまりした時期もあった。
とはいえ「推しが好きだったらなんでも好き」というわけでもなく、ゆきりん（元AKB48・柏木由紀）が好きだったハロプロや、はるきゃん（元AKB48、現unFinaleTokyoプロデューサー兼メンバー・石田晴香）が好きだったボカロも人並みにしか聞いていなかった。
１月にふーなぐみを自認してからB4ND（メンバーからメッセージが送られてくるサービス。有料でこちらからメッセージを送ることもできる）を取るようになって、最初に知った曲が櫻坂48「TOKYO SNOW」だった。

櫻坂は名前がまだ欅坂で平手友梨奈がいた頃に若干聞いていたくらいだったのだが、はじめて聞いたこの曲に一瞬で引き込まれた。歌詞は私にとって馴染み深い秋元康によるものだが、「秋元節だけど、情感が48とまるで違う」と感じた。

この曲によって、「ふーちゃんの聞いている曲、薦めてくる曲は、恐らく好きなゾーンに入りやすい」と思うようになり、時々教えてくれるプレイリストや個人配信で歌っている曲などを聞くようになった。その過程で辿り着いたのがノイミーだった。
ただ、完全に好みが一致しているかというと、私の場合前述のようなアイドル遍歴もあって好きな曲の傾向がかなり歪んでおり、結果としてこのようなプレイリストになっている。

一方で、前述の「お姫様の作り方」を教えてもらうと、すぐにこうなったりする（これも無条件にというわけではなく、クリシェ（半音下降）が気になりすぎて通勤中に聞きまくっていたのだが）。

私が好きな傾向としては、「桃色デイブレイク」や「チョコレートメランコリー」のような非現実的でアニメのような世界観だったり（イコノイジョイは代アニ（代々木アニメーション学院）のアイドルなこともあり、アニソンや声優ソング的なカテゴリーの曲も少なくない）、「モブノデレラ」や「排他的ファイター」のような心を抉ってくるような歌詞に惹かれやすい。そういった好きな曲の傾向もあって、櫻井ももや冨田菜々風の歌声に反応していた。

イコラブ（＝LOVE）も一応一通り聞いたのだが、厄年をとっくに過ぎたオジサンには、ちょっとキラキラ女子すぎて胃が重たくなりそうだった。一方のノイミーは、一言でいえば「影がある感じが肌に合う」と感じた。その違いを端的に表していると感じたのが、上記のプレイリストにも入っている=LOVE「虹の素」と≠ME「空白の花」から感じた両グループの「悲恋感の違い」である。どちらも作詞はプロデューサーの指原莉乃が手掛けているのだが、グループによって明らかに色が違うのが面白いと感じている。

どちらも「報われない想い」を歌った曲なのだが、「虹の素」には「相手との対話」が感じられる。直接的な会話ではなく主人公の独白だったとしても、相手に語り掛けているのである。

また、主人公は感情的な一面も見せており、それは時に酷く激しい言葉として投げかけられている。

この歌詞を渡された野口伊織は、プロデューサーで作詞者でもある指原莉乃からこの曲の主人公について「大丈夫だよ、この子は幸せになるから」と言われたというが、どういうストーリーでここから幸せになれるのか、奥が深すぎて私には感じ取りきれなかった。

というかいつの間にそんな大作家先生になったんだよ、指原。緑のジャージ着てブログ１日100回更新させられてたお前が。ずっとお前を推して劇場にも個握にも通っていた当時の上司が、お前の人気が出てきた頃に「握手会行ったらさ、話流されたんだよ、あの指原に」って寂しそうにしてて、そのままたなみん（田名部生来）に推し変したんだぞ（すみません、12年越しくらいの届くわけのない私信です）。

話を戻して、一方の「空白の花」は「言い出せなかった思いを自分一人の中で昇華させる独白」を感じる。

ソースが見つからないのだが、以前何かの動画かインタビューで指原が（「指原」呼びは12年前当時の上司の影響と、そもそも指原の一人称が「指原」だったから）「別れ話をされたら、イコラブは『別れたくない』と泣きわめいて縋り付く。ノイミーは黙ってメソメソ泣いて悲劇のヒロインに浸ってる。」みたいな話をしていたのを記憶している。
その言葉を如実に表していると感じるこの２曲を聞いた時に、「『消え好き』の恋愛観は、ノイミーの悲恋感に近いかもしれない」と感じた。

「空白の花」は「明るい失恋ソング」ではないのだが、「まほろばアスタリスク」だけでなく「ラストチャンス、ラストダンス」も「君を見かけた」も「明るい失恋ソング」であると同時に、表現方法は違うけど「空白の花」に通じる「自分一人の中で昇華させる独白」だと感じている。見方を変えれば「モブノデレラ」だってその文脈で見ることができる（個人的に「モブノデレラ」は、恋愛曲としてだけでなく「自分の人生において主人公になれなかった全ての人」にエグいほど刺さる曲だと感じている）。
「消え好き」も主人公の女の子の独白であり、伝えなかった想いを自分の中で一方的に昇華しながら、おしゃれで切ない「中毒性のあるセンチメンタルな響き」が切なさを加速させている。

知ったようなことを書いているが、ふーなぐみを名乗るようになったのも、ノイミーにはまったのも、ほんのここ３ヶ月くらいのことである。急激な速度で沼に嵌っているように見えるかもしれないが（事実そうなのだが）、私とふーちゃんの唯一の共通点として「十二星座占いが蟹座なこと」がある。
「それがどうした」となるだろうし、ふーちゃんの好きなMBTIのような「診断」ではなく、ただの「占い」でしかない十二星座占いに何の信憑性もないことは承知の上だが、蟹座の性格として「心を開くまで壁を作るけど、一旦心を開くと強い共感性を持って相手を信頼しきってしまう」というのがある。ふーちゃんがそうだというわけではないかもしれないが、少なくとも私はその傾向がかなりあると自分で感じている。
基本的に友達が多い方ではないが、信頼できる人との付き合いは長くて深い。そしてその人が興味を持っていることに影響を受けやすく、一度話題に出たことを忘れずに自分で調べたりして、次に会った時にその話題で盛り上がることも少なくない（興味の方向性が近い人が友人になりやすいというのもあるが）。

ふーちゃんとは興味の方向はやや似ているけど、完全に一致はしていないと感じている。イコノイジョイの曲もそうだけど、ふーちゃんの影響でグミもほぼ毎日買うようになったのだが、ロッテの「小梅グミ」一点張りでもう２ケ月くらいずっとそれしか食べていない。
そんなふーちゃんの作った「消え好き」の私なりの解釈も、「うん、まあ、そうなんだけど…」くらいのズレはそれなり以上にあるだろう。永遠に交わらない漸近線でないことだけを祈りつつ（前回の記事でも書いた「ゼンキンセン」を使いたかっただけ）、初の20,000字超え（24,363文字）の大長編になってしまったので、この辺で記事を締めようと思う。

特に記事の後半は「ふーちゃんが好きな事をこれだけ一緒に追いかけています！」という自己申告でしかないような気もしているが、これでもまだ疑われるようであれば（何をかは言わないけど）後は直接申し開きをするしかないので、遠征の準備を始めたいと思う。

2026年6月6日(土) 新宿某所でラフラフのフリーライブ「~1500人笑わせないと"夏"来ません！~」が開催されることが発表されました。

詳細は追って発表されるとのことですが、３月のZeppYokohamaでの3rdアニバーサリーライブ（3rdアニラ）に匹敵する集客目標を掲げた、大目標である日本武道館への大事な試金石になるライブになります。

翌6月7日には横浜ワールドポーターズ Roof Top World（7F屋上）で「Yondanda」リリースイベントファイナルも予定されています。参加できる方は今から6月6日、7日のスケジュールを開けて、みんなでフリラの成功と集客の達成、リリイベの完走のためにラフラフに力を貸しましょう！

私も3rdアニラ以来となる現場参戦のための遠征を検討しています。ふーちゃんとラフラフにはもちろん、お会いしたいラフり隊の方もたくさんいらっしゃるので、是が非でも参戦できるよう今から準備していきたいと思います。

4月25日にデジタルリリースされた新曲「Yondanda」のリリースイベントも、引き続き開催中です。

・5/4(月) ヴィレッジヴァンガード 渋谷本店
・5/16(土) タワーレコード新宿店（9Fイベントスペース）
・5/17(日) タワーレコード錦糸町パルコ店 店内イベントスペース
・5/31(日) イオンレイクタウン kaze 1F翼の広場
・6/7(日) 横浜ワールドポーターズ Roof Top World（7F屋上）

リリイベの最新情報やミニライブ・特典会の参加方法などはオフィシャルホームページをご確認ください。みんなでラフラフを応援しよう！

次回予告：「Yondanda」楽曲紹介第３弾 - MVなど編 - 

本記事の作成のため、本当は4月25日を目標に作成する予定だったMVを中心とした「Yondanda」楽曲紹介を次回はやっていきたいと思います。元々「速報版」としていたのですが、もうリリース日を過ぎてしまったので、「速報版」の看板を外しつつ、書くことを整理していきます。

今回の記事は発端が発端だったので、タイミング的に「#ふーなの日」に合わせて提出したかったのでこんな感じになりましたが、他の３曲についての新解説もまたどこかで書くかもしれません。
先週のカラオケ音源作成と今週のコード・スケール・ダイアトニック講座で２週連続週末を使い果たして、未だ「Yondanda」のMVをまともにループできていないんですけどね(笑)。

よろしければ次回もお付き合いください。